Hvor mange disipliner består kultur i Frankrike av? Skoleleksikon. Tradisjoner og skikker hos folkene i Frankrike

Utvikling Fransk litteratur på slutten av 1700-tallet , i løpet av årene med den store borgerlige revolusjonen, fant sted under tegnet av revolusjonær klassisisme. Stilen til talene til foredragsholderne og konvensjonens dekreter, de grandiose nasjonale festivalene, verkene til diktere som komponerte oder, salmer og dityramber - alt dette var gjennomsyret av antikkens ånd av imitasjon. De strenge formene for gammel kunst uttrykte idealene om statsborgerskap og patriotisme som inspirerte lederne av den borgerlige revolusjonen.

En av revolusjonens berømte diktere var Ekuchar Lebrun (1729–1807) . I sine oder, skrevet i Pindars ånd, glorifiserer han det franske folkets kamp mot føydalherrer og fremmed despotisme. En annen poet av tiden Marie Joseph Chenier (1764-1811) var forfatteren av salmer som ble fremført på høytider, samt tragedier med revolusjonerende patriotisk innhold.

Hans brors poesi hadde en annen karakter - André Chénier (1762-1794) , den flinkeste franske tekstforfatteren på denne tiden. I motsetning til jakobinernes harde klassisisme, så Andre Chenier i antikkens kunst ikke bare legemliggjørelsen av dyd og frihet, men også triumfen til det sensuelle jordiske prinsippet. I sine ekloger og elegier forherliger han gledene ved jordisk kjærlighet og nytelsen av livet.

Det første tegnet på revolusjonært drama var Marie Joseph Cheniers skuespill «Charles IX, eller en leksjon for konger». Etter dette dukket andre skuespill opp på scenen, som glorifiserte republikanere og patrioter, pisket konger og aristokrati, religiøs fanatisme og uvitenhet. Noen skuespill var allegoriske av natur (for eksempel "The Celebration of Reason" av Marechal, "The Celebration of the Supreme Being" av Cuvelier).

Hovedfokus Fransk litteratur fra den første tredjedelen av 1800-tallet. det var romantikk. På et tidlig stadium av utviklingen ble den sentrale plassen i den romantiske bevegelsen inntatt av François René de Chateaubriand (1768-1848) , en forfatter som representerte den konservative fløyen av denne bevegelsen. I revolusjonsårene var Chateaubriand deltaker i krigene mot Den franske republikk, og under restaureringsårene var han en reaksjonær politiker. Alt han skrev representerer en polemikk mot ideene om opplysningstiden og revolusjonen.

Hans avhandling "The Spirit of Christianity" (1802) forherliger "religionens skjønnhet" og underbygger ideen om at katolisismen - den vakreste av religionene - skal tjene som kunstens grunnlag og innhold. I denne avhandlingen inkluderte forfatteren to historier - "Atala" og "Rene", der han polemiserer med ideene til den store franske læreren Rousseau. Chateaubriand mente at mennesket ikke kan finne frelse i naturens favn, for selv her forblir det et offer for sine laster og lidenskaper. Frelse er bare i å vende seg til religion, til enkelsinnet tro - dette er Chateaubriands tanke.

I motsetning til Chateaubriand Germaine de Stael (1766–1817) var tilhenger av liberale ideer og kjempet i en årrekke mot Napoleon, som utviste henne fra Frankrike. Hun gjorde mye for å underbygge romantikkens prinsipper. I sin bok "On Literature" (1800) utviklet hun ideen om litteraturens avhengighet av det sosiale livet til folket. I romanene "Delphine" (1802) og "Corinna" (1807) forsvarer forfatteren en kvinnes rett til følelsesfrihet og viser sammenstøtet mellom den menneskelige personligheten og grunnlaget for det borgerlig-adle samfunnet.

Kreativitet slutter seg til linjen som ble startet av Chateaubriand Alfredo de Vigny (1797-1863) , forfatter av dikt og dramaer, samt den historiske romanen Saint-Mars (1826), dedikert til å skildre en edel konspirasjon mot kardinal Richelieu. I sentrum av Vignys verk står en ensom, stolt person som forakter mengden.

Poet-lyriker Alphonse de Lamartine (1790–1869) begynte også sin kreative vei under påvirkning av Chateaubriand. Diktsamlingene hans "Poetic Reflections" (1820), "New Poetic Reflections" (1823) inneholder melankolske elegier, monotone og skilt fra den virkelige verden, men ikke blottet for poesi og følelser.

Et spesielt sted i Fransk romantikk på 1800-tallet tar Alfred de Musset (1810-1857) . I sin første diktbok, «Spanske og italienske fortellinger», tolker han romantiske motiver i en ironisk tone, som om han reduserer og latterliggjør dem. Musset var også forfatter av dramaer og komedier i prosa, der han maler bildet av en ung mann, misfornøyd med virkeligheten, føler uenighet med sin samtidsverden, men ute av stand til å bryte helt med den. I romanen "Confession of a Son of the Century" (1835) snakker Musset direkte om helten sin som en representant for generasjonen på 30-tallet. Tragedien for denne generasjonen var at den, dypt desillusjonert over den prosaiske virkeligheten i det borgerlige Frankrike, ikke hadde noen reelle utsikter til å kjempe mot den.

Etter julirevolusjonen i 1830 smeltet arbeidet til noen representanter for romantikken sammen med demokratiske og utopiske trender i sosial tankegang. De mest fremtredende representantene for b> Fransk romantikk på 1800-tallet det var Victor Hugo og Georges Sand.

Victor Hugo (1802-1885) har gått gjennom en vanskelig utviklingsvei. Den unge Hugo dukket opp i litteraturen med samlingen "Odes and Other Poems" (1822), der han berømmet Bourbon-liljene og katolsk fromhet. Imidlertid brøt han veldig snart med disse motivene og ble fra midten av 20-tallet tilhenger av liberale demokratiske ideer. I forordet til sitt skuespill Cromwell (1827) formulerte Hugo prinsippene for en ny, romantisk dramaturgi. Han angriper reglene for de "tre enhetene" og motsetter seg den strenge differensieringen av sjangere som ligger i klassisismen. Hugo erklærte Shakespeare som "teatrets gud", og krevde frihet og naturlighet, overholdelse av "lokal farge", en blanding av det tragiske og det komiske. Hugos manifest spilte en positiv rolle i å frigjøre litteraturen fra klassisismens restriktive regler; samtidig bytter Hugo ut klassisistiske konvensjoner med nye, romantiske konvensjoner. Han tildeler det groteske en enorm rolle, som for ham blir et universelt kunstnerisk uttrykk. Hugos dramaer utspiller seg i middelalderen og er fulle av spektakulære scener og fascinerende situasjoner.

I 1831 skrev Hugo romanen Notre-Dame de Paris. Det dystre utseendet til katedralen legemliggjør den føydale middelalderen, undertrykkelsens og fanatismens rike. Men katedralen tiltrekker seg også poeten som et praktfullt monument av kunst skapt av folkets geni. Livet som er skildret i romanen er fullt av sosiale kontraster. Forfatteren er på folkets side. Imidlertid gjenspeiles de konvensjonelle teknikkene i kunsten hans i det faktum at de undertrykte massene er representert av bildene av de stygge Quasimodo og Esmeralda, idealisert i en sentimental ånd.

Hugo hilste revolusjonen i 1830 med entusiasme, men lenge beholdt han illusjoner om julimonarkiets regime. Først etter revolusjonen i 1848 ble Hugo republikaner. Til tross for at forfatteren aldri klarte å frigjøre seg helt fra liberale illusjoner, var grunnlaget for hans synspunkter demokratiske tendenser. Hugo motsatte seg resolutt det kriminelle eventyret til Louis Bonaparte, som tok makten i Frankrike. Han skrev en bok mot ham, "The History of a Crime", og en brosjyre, "Napoleon the Little" (1852). Begge disse verkene spilte sin rolle i kampen mot reaksjonen.

Hugo ble tvunget til å forlate Frankrike og var i eksil i 19 år. I løpet av denne perioden opptrer han som en aktiv politisk kjemper mot reaksjon: han prøver å redde John Brown fra dødsstraff, protesterer mot den aggressive politikken til England og Frankrike, og forsvarer polsk uavhengighet på sidene til Herzens "Bell". Ekilårene var en periode med kreativ vekst for forfatteren. I 1853 ga han ut en diktsamling, «Retribusjon», der han patetisk fordømte borgerskapet som hadde forrådt demokratiet, de reaksjonære geistlige, klassedomstolen og selvraneren Napoleon III. Hugo snakker med dyp sympati om folket; han tror inderlig på deres styrke og fremtid.

I eksil skapte Hugo romanene Les Misérables, Toilers of the Sea og The Man Who Laughs. Særlig viktig er romanen Les Misérables (1862), som berører de mest presserende sosiale problemene på 1800-tallet. Forfatteren skildrer skjebnen til den analfabetiske bonden Jean Valjean, som havnet i hardt arbeid for en bagatell, og den unge kvinnen Fantine, som ble prostituert, og viser at de blir ødelagt av sosial urettferdighet og det borgerlige samfunnets laster. Med alt dette tror Hugo på muligheten for en persons moralske fornyelse under påvirkning av menneskelighet og barmhjertighet. Historien om Jean Valjean og Fantine utspiller seg mot en bred offentlig bakgrunn. Hugo beskriver for eksempel barrikadekampene i Paris i 1832. Forfatterens sympatier er på opprørsfolkets side, han formidler kampens patos, skaper sjarmerende bilder av opprørerne, blant dem skiller parisergutten Gavroche seg ut – den levende legemliggjørelsen av folkets revolusjonære ånd.

I 1870 kom Hugo tilbake til Frankrike. I det beleirede Paris oppfordrer han folket til å forsvare fedrelandet sitt. Forfatteren forsto ikke betydningen av Pariserkommunen, men han forsvarte modig kommunardene fra forfølgelsen av det seirende borgerskapet. I 1874 ble hans siste roman, "Det nittitredje året," utgitt, dedikert til den franske revolusjonen på slutten av 1700-tallet. og skildrer den unge republikkens kamp mot kontrarevolusjonen. Mens han sympatiserer med revolusjonære ideer, kan Hugo fortsatt ikke løse motsetningen mellom alvoret i den revolusjonære kampen og humane følelser, mellom terror og barmhjertighet, og forblir fanget av sine småborgerlige illusjoner.

En fremtredende representant for den demokratiske trenden i romantikken var George Sand (pseudonym av Aurora Dudevant, 1804-1876) , som tok opp brennende sosiale spørsmål i arbeidet sitt. I sine tidlige romaner - "Indiana", "Valentine", "Lélia", "Jacques" - kom George Sand inn på kvinners stilling i familien og samfunnet, og motsatte seg borgerlig moral.

Forverringen av sosial kamp på 40-tallet fikk forfatteren til å vende seg til formuleringen av bredere sosiale problemer. Hun lager nå bilder av mennesker blant folket. Romanene "The Wandering Apprentice", "The Miller from Anjibo", "The Sin of Monsieur Antoine" er rettet mot eiernes egoisme og den borgerlige sivilisasjonen, som bringer lidelse til folket. Etter Saint-Simonistene og kristne sosialister forkynner George Sand oppmykning av sosiale motsetninger og forsoning av klasser.

De viktigste romanene til George Sand er "Horace" og "Consuelo", laget på begynnelsen av 40-tallet. Romanen "Horace" avkrefter typen borgerlig individualist som virket så sjarmerende for den første generasjonen romantikere. Temaet for romanen "Consuelo" er kunstens skjebne i et klassesamfunn. Forfatteren legger frem ideen om en uløselig forbindelse mellom ekte kunst og menneskene.

Revolusjonen i 1848 ga opphav til en dyp intern krise i George Sands sinn. Sammenbruddet av ideer om et enkelt "overklassedemokrati" førte til at forfatteren nektet å ta opp presserende politiske spørsmål, så vel som til en svekkelse av den sosiale trenden. Historiene hennes fra bondelivet er preget av dyp sympati for arbeiderklassene, men de idealiserer folks ydmykhet og lydighet.

Frankrike, som gikk fra slutten av 1700-tallet til midten av 1800-tallet. gjennom tre revolusjoner ble det fødestedet til militant politisk poesi. Pierre Beranger (1780-1857) var skaperen av fantastiske politiske sanger. Beranger dukket opp som en poet tilbake i tiden med Napoleon-monarkiet. I sangen «Kong Iveto» (1813) synger han om en viss type patriarkalsk konge som levde i vennskap med naboene og brydde seg om folket sitt. Denne sangen er rettet mot Napoleons militære eventyr og skattepolitikken hans.

Beranger ble en ekte dikterkjemper under restaureringen. I provoserende sanger latterliggjorde han adelen som var kommet tilbake fra utlandet og drømte om å gjenopprette den gamle orden, jesuittene som hadde hevet hodet i Frankrike. For disse verkene ble Beranger fengslet to ganger. Revolusjonen i 1830 brakte dikteren dyp skuffelse.

Sangene hans er nå rettet mot de rike og velstående byfolkene. En skarpt kritisk holdning til borgerskapet vekket Bérengers interesse for utopisk sosialisme. Berangers politiske sang – munter, militant, vittig, full av organisk demokrati, preget med stempel av levende nasjonal humor – er et fantastisk eksempel på realistisk poesi.

30- og 40-tallet av 1800-tallet. i fransk litteratur preget av fremveksten av realisme. I denne perioden ble motsetningene mellom det borgerlige demokratiets og virkelighetens idealer og kapitalismens utvikling avslørt med særlig tydelighet. Utarmingen av massene, kontrastene mellom fattigdom og rikdom, veksten av sosiale motsetninger - alt dette var den mest nøkterne karikaturen av borgerskapets politiske løfter - frihet, likhet og brorskap. En sannferdig refleksjon av disse motsetningene utgjorde det viktigste sosiale innholdet i kritisk realisme i denne epoken, som fant sitt høyeste uttrykk i romanen på 30-40-tallet av 1800-tallet.

Forgjengeren til de store realistene på denne tiden var Benjamin Constant (1767–1830) , som i sin roman "Adolf" (1816) ga et dypt bilde av psykologien til en ung mann på 1800-tallet, egoistisk og skuffet, ute av stand til aktiv handling.

En av de mest strålende representantene for kritisk realisme var Stendhal (pseudonym til Henri Beyle, 1783-1842) . En tilhenger av materialistene på 1700-tallet, sto han spesielt nær Helvetius, og arvet hans lære om lidenskapene som danner kilden til rikdommen til menneskets indre liv. Stendhal beundret mennesker med en aktiv, sterk karakter, langt fra restaureringstidens og julimonarkiets småinteresser. Han fant slike helter blant skikkelsene fra den italienske renessansen ("Italienske krøniker"), i Shakespeare og i samtiden - blant de få sterke naturene som er i stand til å føle miljøets elendighet og lidenskapelig hate det.

I sin bemerkelsesverdige roman The Red and the Black (1830) skildrer Stendhal det franske samfunnet under restaureringstiden. Helten i boken hans, Julien Sorel, en plebejer av fødsel, er en lidenskapelig beundrer av Napoleon-tiden, som etter hans mening åpnet muligheten for en talentfull person fra bunnen til å finne veien i livet. Under restaureringen ble disse mulighetene ekstremt innskrenket. En mann med en sublim og følsom sjel, Julien er klar til å gjøre hva som helst for å beseire det inerte sosiale miljøet. Men han klarer ikke å nå sitt valgte mål. De herskende klassene fordømte plebeieren som gjorde opprør mot hans sosiale status. I siktedes siste ord avsier Julien Sorel selv en hard dom over sine dommere og samfunnet som fordømte ham.

Handlingen til en annen roman, "The Parma Monastery" (1839), finner sted ved hoffet til et lite italiensk fyrstedømme. På denne bakgrunnen tegner forfatteren lyse og uavhengige karakterer, med hele deres fiendtlighet mot omverdenens ubetydelighet. Den tragiske skjebnen til intelligente, talentfulle, dyptfølende mennesker er i seg selv en fordømmelse av denne reaksjonære epoken.

Opprettelse Honore de Balzac (1799–1850) representerer det høyeste punktet i utviklingen av vesteuropeisk kritisk realisme. Balzac satte seg en storslått oppgave - å male historien til det franske samfunnet fra den første franske revolusjon til midten av 1800-tallet. Som en kontrast til Dantes berømte dikt «Den guddommelige komedie» kalte Balzac verket sitt «Den menneskelige komedie». Balzacs «Human Comedy» skulle inneholde 140 verk med karakterer som beveger seg fra en bok til en annen. Forfatteren viet all sin styrke til dette titaniske verket; han klarte å fullføre 90 romaner og noveller.

Når han observerer utviklingen av det borgerlige samfunnet, ser forfatteren av The Human Comedy triumfen av skitne lidenskaper, veksten av universell korrupsjon og egoistiske krefters destruktive dominans. Men Balzac inntar ikke en posisjon av romantisk fornektelse av den borgerlige sivilisasjonen, forkynner ikke en retur til patriarkalsk immobilitet. Tvert imot, han respekterer energien i det borgerlige samfunnet og er betatt av det storslåtte utsikten til kapitalistisk velstand.

I et forsøk på å begrense den destruktive kraften til borgerlige relasjoner, som fører til den moralske degraderingen av individet, utvikler Balzac en slags konservativ utopi. Fra hans ståsted er det bare et lovlig monarki, hvor kirken og aristokratiet spiller en avgjørende rolle, som kan holde tilbake elementene av private interesser. Balzac var imidlertid en stor realistisk kunstner, og den vitale sannheten i verkene hans kommer i konflikt med denne konservative utopien. Samfunnsbildet han malte var dypere, mer nøyaktig enn de politiske konklusjonene som den store kunstneren selv gjorde.

Balzacs romaner skildrer kraften til "pengeprinsippet", som bryter opp gamle patriarkalske bånd og familiebånd, og vekker en orkan av egoistiske lidenskaper. I en rekke verk maler Balzac bilder av adelsmenn som forble trofaste mot æresprinsippet (markis d'Egrignon i Antikvitetsmuseet eller markis d'Espard i formynderskapssaken), men som var fullstendig hjelpeløse i virvelvinden av monetære forhold. På den annen side viser den forvandlingen av den yngre generasjonen av adelsmenn til mennesker uten ære, uten prinsipper (Rastignac i «Père Goriot», Victurnien i «Antikvitetsmuseet»). Borgerskapet er også i endring. Kjøpmannen av den gamle patriarkalske typen, "martyren for kommersiell ære" Caesar Birotteau, blir erstattet av en ny type skruppelløse rovdyr og pengegrubber. I romanen «Bøndene» viser Balzac hvordan godseiernes eiendom går til grunne, og bøndene forblir fattige som før, fordi adelens eiendom går over i hendene på det rovborgerskap.

De eneste som den store forfatteren snakker om med utilslørt beundring er republikanere, som unge Michel Chretien (Lost Illusions) eller gamle onkel Nizeron (The Peasants), uselviske og edle helter. Uten å benekte den visse storheten som manifesteres i energien til mennesker som skaper grunnlaget for kapitalens makt, selv blant slike akkumulatorer av skatter som Gobsek, har forfatteren stor respekt for uselvisk aktivitet innen kunst og vitenskap, og tvinger en person til å ofre alt for å oppnå et høyt mål ("Søker absolutt", "Ukjent mesterverk").

Balzac gir sine helter intelligens, talent og sterk karakter. Arbeidene hans er dypt dramatiske. Han fremstiller den borgerlige verden som fordypet i konstant kamp. I hans skildring er dette en verden full av sjokk og katastrofer, internt motstridende og disharmonisk.

En fremragende realistisk forfatter fra denne epoken var Prosper Merimee (1803–1870) , som gikk inn i litteraturhistorien først og fremst som en novellemester, lakonisk, streng, elegant. Merimee er i likhet med Stendhal nær 1700-tallets pedagogiske ideer. Et av hans første fremragende verk, krønikespillet «Jacquerie» (1828), er dedikert til skildringen av bondebevegelsen i Frankrike på 1300-tallet. I sin eneste store roman, «Chronicle of the Times of Charles IX» (1829), skildrer Merimee kampen mellom katolikker og protestanter og hendelsene under St. Bartolomeusnatten. Han er skeptiker og ateist, han har et ironisk syn på begge stridende partier og avkrefter fanatisk intoleranse.

Merimee tar for seg temaene og bildene som romantikerne introduserte i litteraturen i sine noveller, og tolker dem ganske realistisk. I likhet med romantikerne ser han etter sterke og levende karakterer i land som er relativt lite påvirket av den borgerlige utviklingen, og skildrer ofte mennesker som er primitive, integrerte og i stand til å føle sterkt. Slik er heltinnene til novellene "Carmen" og "Colomba", den korsikanske bonden Mateo Falcone (i novellen med samme navn), etc.

Noen ganger vender Merimee seg også til en verden av fantastiske bilder ("Venus of Il"), men ved å skildre romantiske helter og romantiske situasjoner i nøkterne, rolige toner, ledsaget av ironiske kommentarer og et realistisk system av motivasjoner, overfører hun handlingen til en annerledes, ikke-romantisk plan.

Barrikadeslagene i juni i 1848 er en stor milepæl i 1800-tallets historie. Borgerskapets revolusjonære rolle i Vesten har blitt spilt, og det motsetter seg nå arbeiderklassen som en kraft som støtter den eksisterende orden. Dette kunne ikke annet enn å ha en avgjørende innflytelse på utviklingen av den borgerlige kulturen.

Hvis innen naturvitenskap og sosiologi får positivisme betydelig innflytelse, så i feltet litteratur og kunst i Frankrike i andre halvdel av 1800-tallet En ny type kritisk realisme vokser frem, i stor grad forskjellig fra den som utviklet seg i første halvdel av 1800-tallet. Selve begrepet typisk er i endring. Det er nå vanligvis betraktet som det vanligste, vanlige, "aritmetiske gjennomsnittet." Forfattere nekter å lage kraftige bilder som ligner typene Stendhal og Balzac. Strukturen i verkene endres også. Komposisjonen nærmer seg livets ytre flyt, det vil si den relativt flate overflaten til det borgerlige samfunnet, dets gradvise utvikling.

Realistene på 50-60-tallet av 1800-tallet tok et visst skritt fremover i den kunstneriske utviklingen ved å bringe kunsten nærmere livet i sitt hverdagsuttrykk, frata den de siste elementene av konvensjon og hyperbolisering, men i hovedsak var de underlegne klassisk realisme fra forrige tid.

Den største representanten for det nye stadiet av realisme Gustave Flaubert (1821–1880) Hele mitt liv hatet jeg borgerskapet, anså det som middelmådig, smålig, vulgært, egoistisk. Samtidig var han foraktelig for massene. Flaubert tror ikke på muligheten for å endre den eksisterende situasjonen; han er dypt skuffet over all politisk aktivitet og anser det som meningsløst. Han oppfordrer kunstneren til å "gå inn i elfenbenstårnet" og vie seg til skjønnhetens tjeneste. Det er imidlertid umulig å leve i samfunnet og være fri fra samfunnet. Til tross for falskheten i sin posisjon, ga Flaubert en bemerkelsesverdig kritisk fremstilling av borgerlig vulgaritet og holdt seg dermed ikke unna sosiale kamper.

Forfatterens mest betydningsfulle skapelse er hans roman Madame Bovary (1857). I sentrum av romanen står bildet av en kvinne fra et borgerlig miljø, hvis drømmende fantasi ble matet av å lese romantisk litteratur. Virkeligheten forstyrrer drømmene hennes. Til tross for all nøkternheten som Flaubert ser på idealene til sin heltinne, er han dypt bekymret for døden til en person i en kollisjon med den borgerlige virkeligheten.

Avsky av stygge omgivelser, vendte Flaubert seg konstant til den historiske fortiden, dekket av skjønnhet og poesi. Slik oppsto romanen hans "Salammbo", dedikert til opprøret av leiesoldater i det gamle Kartago, historien "Legenden om St. Julian den barmhjertige" og "Herodias". I disse verkene restaurerer Flaubert med enorm, nesten vitenskapelig objektivitet tilbehør fra fjerne historiske epoker og beskriver dem i detalj. Men heltene i hans historiske verk har psykologien til mennesker på 1800-tallet.

I romanen Sentimental Education (1869) utvikler Flaubert temaet "den unge mannen", og fortsetter i denne forstand linjen til Stendhal og Balzac. Men representanten for den nye generasjonen av borgerskapet, Frederic Moreau, blir vist som en sløv, inert person, ute av stand til kamp og aktiv aktivitet. Flauberts hat mot borgerskapet og samtidig hans negative holdning til folket avgjorde denne forfatterens unike posisjon i litteraturhistorien. Fra Flaubert kom den store realisten Maupassant, og på den annen side dannet teorien om «ren kunst», som Flaubert forsvarte, grunnlaget for dekadentenes estetiske ambisjoner.

Til tross for at naturalismens storhetstid går tilbake til 80-tallet av 1800-tallet, er den naturalistiske tendensen i fransk litteratur dukker opp tidligere - allerede i verkene til Goncourt-brødrene Jules (1830-1870) og Edmond (1822-1896). De er tilhengere av å introdusere den «vitenskapelige metoden» i litteraturen, tilhengere av «dokumentarisme», det vil si en grundig, ned til minste detalj, gjengivelse av miljøet handlingen foregår i. Goncourts anser biologiske faktorer som den viktigste stimulansen for folks atferd, og de er spesielt interessert i patologiske tilfeller og avvik fra normen. På leting etter mennesker med en lett irriterende og ubalansert psyke, vendte Goncourts til livene til kunstnere, malere og forfattere (romaner "Charles Demaio", "Manette Solomon", etc.). I romanen "Germinie Lasserte" skildrer de livet til de lavere samfunnsklassene, og tror at det biologiske prinsippet er lettere å spore i primitive mennesker fra folket.

Den mest briljante poeten i denne epoken var en dypt tragisk skikkelse Charles Baudelaire (1821-1867) , forfatter av The Flowers of Evil (1857). Baudelaire, i likhet med Flaubert, hatet det borgerlige samfunnet. Han skildret sympatisk i diktene sine opprørere og gudskjempere som reiste seg mot det eksisterende systemet (Kain i diktet "Abel og Kain", Satan i "Litanies to Satan", alkymisten i "Punishment of Pride"). Baudelaire er ikke fremmed for demokratisk sympati for vanlige arbeidere; han snakker om deres harde liv (dikt "The Soul of Wine", "Twilight of the Evening"), men ser i dem bare lidende, ikke krigere. Det virker for ham som om han er alene i sitt hat mot den borgerlige verden. For Baudelaire er den borgerlige sivilisasjonen en råtnende og døende sivilisasjon, og samtidig kan han ikke flykte fra dens omfavnelse. Dette gir opphav til motiver av død, forfall og forfall i diktningen hans.

Baudelaires samtidige var dikterne fra Parnassus-gruppen, som sluttet seg til litteratur fra Frankrike på 50-60-tallet av 1800-tallet . Disse inkluderte Leconte de Lisle, Théophile Gautier, Theodore de Banville mfl. Tapet av stort sosialt innhold som er karakteristisk for disse dikterne, er forbundet med deres ensidige interesse for formspørsmål. Estetisme i isolasjon av poesi fra store sosiale ideer lar oss betrakte kreativiteten til "Parnassians" som en av de første manifestasjonene av krisen Fransk poesi på 1800-tallet og begynnelsen av hennes vending mot dekadanse.

I historien Fransk kultur på 1800-tallet. , som har gitt et stort bidrag til utviklingen av det åndelige livet til hele menneskeheten, opptar teater en av de første plassene. Han produserte en galakse av fremragende dramatikere og store skuespillere. På den franske scenen tok alle de viktigste kunstneriske bevegelsene i denne perioden form og nådde høy perfeksjon, alle teatersjangre ble utviklet, så vel som nye former for organisering av teatervirksomhet, karakteristisk for det borgerlige samfunnet med dets iboende lov om kapitalistisk konkurranse og prinsippet om frihet til entreprenørvirksomhet. Et nytt privateid, entreprenørielt, kommersielt teater dukket opp nettopp i Frankrike i løpet av årene med den store borgerlige revolusjonen, som var den viktigste milepælen i historien Fransk teater på 1800-tallet .

Revolusjonen brøt det gamle systemet med hoffbyråkratisk styring av teaterlivet, eliminerte verkstedmonopoler og kongelige privilegier, noe som ble et hinder for den videre utviklingen av profesjonelt teater. Den 13. januar 1791 utstedte den lovgivende forsamling et dekret om "teatrenes frihet", som ga enhver fransk borger rett til å åpne et teater og fremføre skuespill av enhver sjanger i det under eget ansvar. Snart ble "teatrenes frihet" til deres avhengighet av borgerlige forretningsmenn som brukte dem til personlig berikelse, men til å begynne med var teatret en mektig faktor i utviklingen av revolusjonære ideer.

Fra revolusjonens første måneder og inn i dramaturgi og skuespill i Frankrike en ny stil med revolusjonær klassisisme begynte å ta form, og vekket massenes heroisme og patriotiske følelser gjennom "trolldommen" til spøkelsene til de store innbyggerne i det gamle Roma og Sparta; deres bilder, legemliggjort på scenen, ga gode eksempler på republikansk tapperhet. I tillegg til å iscenesette revolusjonære klassiske tragedier, gjorde jakobinerne, i løpet av årene av sitt diktatur (1793-1794), de første forsøkene på å lage et massepropagandateater som uttrykker revolusjonens ambisjoner. De organiserer store offentlige festivaler, masseforestillinger, utstyrt med forskjellige allegoriske scener, pantomimer, prosesjoner og oratorier. Her ble de revolusjonære troppenes seire sunget og det ble spilt ut farser som fordømte revolusjonens fiender, vanlige mennesker og opportunister. Tallrike dekreter fra konvensjonen og komiteen for offentlig sikkerhet ble rettet mot søket etter et teater som vekker massenes revolusjonære heroisme.

Men den revolusjonære våren fransk teater var kortvarig. Den termidorianske reaksjonen gjenopplivet den borgerlige sentimentalismen med dens iboende glorifisering av familiemoralen. Hovedoppgaven til teateret i Directory-perioden var å dempe de revolusjonære impulsene til massene, og innpode dem troen på idealiteten til et nytt, borgerlig system, der enhver fattig person, hvis han er heldig, kan bli rik. Endringen av ideer ble reflektert i den nye sjangeren av melodrama som dukket opp under revolusjonsårene.

Opprinnelig var melodrama gjennomsyret av revolusjonære plebejiske tendenser og hadde en akutt anti-klerikal ("Monastic Victims" av Monvel, 1791) eller anti-despotisk orientering ("Robert, Ataman of the Robbers" av La Marteliere, 1792). I perioden med katalogen og konsulatet mister melodrama sitt opprørske innhold, begynner å erstatte sosiale konflikter med moralske, og skildrer enkeltpersoners grusomheter. Fransk melodrama mottok denne formen fra G. de Pixerécourt (1773-1844), med kallenavnet "Corneille of the Boulevards" (de beste skuespillene er "Victor, or the Child of the Forest," 1798; "Selina, or the Child of the Mystery" ," 1800; "The Man of Three Persons", 1801). Hans etterfølgere var C. Quenier ("The Thieving Magpie," 1815) og V. Ducange, forfatteren av melodramaet "Thirty Years, or the Life of a Gambler" (1827), blottet for sentimental usannhet, gjennomsyret av demokrati og fordømmelse oppkjøpsevne. Ducanges melodrama tilhører imidlertid den neste, romantiske perioden i fransk teaters historie.

En annen sjanger har gått gjennom en lignende utviklingsvei Fransk teater på 1800-tallet , født under revolusjonen, - vaudeville . Han var full av munter vidd, der A. I. Herzen så «et av de essensielle og vakre elementene i den franske karakteren». Deretter mistet vaudeville sin kampånd og journalistiske skarphet, og ble en ren underholdningssjanger.

I de første årene av 1800-tallet. I vaudeville dukket det opp to typer vaudeville-enfoldige: den naive Jocrisse og den listige Cade-Roussel. Vaudevilles ble satt opp i Paris i to spesielle teatre: Vaudeville og Variety. I likhet med melodrama ble fransk vaudeville utbredt i hele Europa og regjerte på scenen i mer enn et halvt århundre. Den berømte vaudeville-skuespillerinnen i Frankrike var V. Dejazet (1797-1875).

Ny periode i historien fransk teater knyttet til Napoleonsriket. Napoleon begrenset rettighetene som teatrene fikk etter dekretet om "teatrenes frihet", reduserte antallet teatre kraftig og utsatte dem for politiovervåking og sensur. Han gjenopprettet privilegiene til hovedteatrene og spesielt Comedie Française, og skapte et nytt charter for dette eldste teatret i Frankrike, på grunnlag av hvilket det eksisterer til i dag.

Fransk dramaturgi fra imperiet overholdt klassisismens kanoner, men uten demokratisk ideologi, anti-klerikale og antimonarkistiske trekk. Under pennen til Renoir, N. Lemercier og andre er den klassisistiske tragedien i imperiets tider gjennomsyret av reaksjonære ideer, og kombinerer eklektisk sin abstrakte klassisisme med elementer av den gryende reaksjonære romantikken.

Den mest betydningsfulle figuren i Fransk teater fra slutten av 1700- og begynnelsen av 1800-tallet. var skuespilleren F. J. Talma (1763 -1826). Talma gikk gjennom en vanskelig vei. Han var den største skuespilleren innen revolusjonær klassisisme, og legemliggjorde med stor kraft dens borgerlige heltemot og patriotiske patos. Etter revolusjonen ble han den ledende kunstneren i "imperiets" klassisistiske teater, gjennomsyret av konservativ-monarkistiske ideer som var iboende i denne tiden. Men den humanistiske ambisjonen som ligger i Talma, hjalp ham med å overvinne begrensningene til offisiell, pompøs kunst og vokse til en kunstner som avslører på scenen prinsippene for høy menneskelig moral.

Talma var en utrettelig innovatør og reformator av teatret. Han var den første store tolkeren av rollene til Shakespeares tragiske helter i Frankrike. Han reformerte den klassiske skuespillerteknikken: han forlot den melodiske lesningen, overførte intonasjonene til revolusjonære høyttalere til scenen, godkjente en autentisk antikk kostyme, introduserte portrettsminke i det franske teateret og introduserte betydelige reformer av skuespillerens ansiktsuttrykk og gester. Generelt, uten ennå fullstendig å bryte med normativ estetikk og klassisismens konvensjonelle skuespillerteknikk, ga Talma en kraftig drivkraft til utviklingen av fransk teater langs realismens vei, og brakte det nærmere bevisstheten om menneskets uløselige forbindelse med tiden. som fødte ham. I de siste årene av sitt liv møtte han unge romantikere (Lamartine, Hugo) og drømte om å spille roller i et nytt repertoar, spesielt rollen som Cromwell i Hugos drama med samme navn. Men Talma levde ikke for å se ferdigstillelsen av Cromwell, hvis utseende innledet epoken med progressiv romantikk i teatret i Frankrike.

Hjelp til dannelsen av progressivt-romantisk teater i Frankrike ble gitt av store forfattere - Steel, Stendhal, Hugo, Merimee, hvorav de to siste var store dramatikere; alle bidro til den teoretiske underbyggelsen av det romantiske dramatikkens poetikk. Et karakteristisk trekk ved sistnevnte var avvisningen av klare skiller mellom sjangere, ønsket om å slå sammen drama med tekster og epos, blande det tragiske med det komiske, det sublime med det groteske (betydningen av det groteske som en estetisk kategori av romantisk drama ble først fremhevet av Hugo i forordet til Cromwell).

Første plass blant Romantiske dramatikere fra 1800-tallets Frankrike tilhørte Victor Hugo. I dramaene hans "Marion de Lorme", "Ernani", "Kongen morer seg", "Mary Tudor", "Ruy Blas" ble tendensene som er karakteristiske for progressiv romantikk tydelig manifestert - lidenskapelig humanisme, fordømmelse av de herskende klassene, sympati for vanlige mennesker, ønsket om historisk sannhet, høy poesi.

Den svært populære romantiske dramatikeren Alexandre Dumas, faren, ble preget av sin samvittighetsløshet, åpne streben etter suksess og overfladisk, falsk historisisme. Ikke desto mindre inneholdt en rekke av hans skuespill, spesielt «Anthony» (1831), «Richard Darlington» (1831), «Kean, or Dissipation and Genius» (1836), elementer av samfunnskritikk, fordømmelse av det hjerteløse, borgerlige adelssamfunnet.

Et av de beste franske romantiske dramaene var "Chatterton" av A. de Vigny (1835) - et psykologisk drama som viser tragedien til en poet som ikke kan finne en plass for seg selv i et handelsborgersamfunn.

En meget talentfull (men mye senere verdsatt) romantisk dramatiker var A. de Musset, som skapte de lyriske dramaene "The Whims of Marianne" (1833), "Love is no joke" (1834) og det historiske dramaet "Lorenzaccio" ( 1834). ).

En spesiell plass blant romantiske dramatikere er okkupert av Felix Pia (1810-1889), grunnleggeren av den radikale demokratiske bevegelsen i romantikken på 30-tallet, skaperen av sjangeren sosial melodrama, som skildrer konflikter mellom arbeid og kapital.

Under restaureringen og julimonarkiet skuespill i Paris når store høyder. Teateret Comedie Française, ofte kalt «Molières hus», mistet sin ledende posisjon etter den store Talmas død. Men i boulevardteatrene i Paris, selv om repertoaret deres var full av tomme underholdningsforestillinger, ble det satt opp betydelige skuespill, mettet med demokratisk ideologi; Her vokste det også opp store skuespillere, hvis navn er knyttet til romantikkens oppblomstring i det franske teatret og i hvis verk humanistiske ideer og protest mot sosial urettferdighet fikk et levende uttrykk.

Den mest betydningsfulle av disse skuespillerne, Frédéric Lemaître (1800-1876), ble kjent for å ha spilt rollene som gambleren Georges Germany, Ruy Blaz, Richard Darlington, Keane, filleplukkeren Jean og banditten Robert Macker, en satirisk type som ble et sosialt symbol på julimonarkiet.

Pierre Bocage (1799 - 1863) hadde et litt annerledes utseende - en demokratisk og republikansk skuespiller, en veverarbeider av opphav. Han ble preget av sitt heftige spill, sin forkjærlighet for overdrivelse og sin evne til å formidle sterke lidenskaper.

En galakse av fremragende skuespillere fra Frankrike under julimonarkiet slutter med Eliza Rachel (1821-1858), som gjenopplivet klassisk tragedie på romantikkens høydepunkt. Hun fikk det heroiske temaet til å lyde på tampen av revolusjonen i 1848, og la vekt på tyrannbekjempende motiver i tragediene til de store klassikerne. En av Eliza Rachelles største skuespillerprestasjoner var hennes fremførelse av La Marseillaise under de revolusjonære dagene i 1848.

Samtidig med romantisk dramaturgi i Frankrike Realistisk dramaturgi ble også dannet. Den falt i to varianter: den beskrivende realismen til Scribe og den kritiske realismen til Merimee og Balzac.

Eugene Scribe (1791-1861) var en produktiv borgerlig dramatiker fra 1800-tallets Frankrike . Han skrev vaudeviller, melodramaer, operalibrettoer, historiske og hverdagslige komedier. Blant hans historiske skuespill er de mest kjente "Bertrand og Raton" (1833) og "Et glass vann" (1840), preget av den såkalte "teorien om små årsaker", som reduserer politikken til bak kulissene intriger og forklarer store historiske hendelser med små hverdagsfenomener. Av Scribes hjemlige komedier er den mest kjente The Ladder of Glory (1837); den skildrer borgerlige forretningsmenn og karrieremenn som hjelper hverandre med å avansere på karriereveien.

Den kritiske realismens dramaturgi hadde et uforlignelig høyere ideologisk nivå, og reflekterte det borgerlige samfunnets motsetninger og forsøkte å avsløre dype sosiale konflikter og sosialt betingede karakterer. Prosper Mérimée skapte under restaureringen en samling av svært subtile, vittige realistiske komedier (for det meste enakters), utgitt under navnet "Theater of Clara Gasoul" (1825); Skuespillene i denne samlingen er gjennomsyret av kjærlighet til frihet, antiføydale og anti-klerikale tendenser. Det historiske kronikkdramaet "Jacquerie" ble skrevet i en annen stil, og skildrer det største bondeopprøret i Frankrike på slutten av middelalderen. Til tross for deres kunstneriske fordeler, dukket Merimees dramaer opp på scenen først mye senere - først på 1900-tallet.

Sceneskjebnen til skuespillene til den store realisten Balzac var også mislykket. I dramaene "Vautrin", "The Resourceful Kinola", "Stepmother" avslørte Balzac levende de sanne grunnlagene for det oppkjøpte borgerlige samfunnet, hjerteløsheten til pengesterke mennesker og profittørsten, og viste refleksjonen av sosiale konflikter i familien. miljø. I komedien "Forretningsmannen" ga han en usedvanlig levende satirisk skildring av verden av forretningsmenn og spekulanter, der aksjemegleren Mercade regjerer. Balzacs skuespill var ikke vellykkede blant hans samtidige og ble underlagt forbud. De begynte å etablere seg på scenen først etter forfatterens død, og ble verdsatt ordentlig først på 1900-tallet.

Etter revolusjonen i 1848, skremt av juniopprøret til det parisiske proletariatet, gikk borgerskapet inn på veien til direkte ideologisk reaksjon. I teater i Frankrike i andre halvdel av 1800-tallet unnskyldende beskyttende skuespill av Alexandre Dumas fils, Emile Ogier og Victorien Sardou settes opp. Deres skuespill har blitt kalt pseudo-realistiske av mange historikere; de er preget av vulgaritet av plott, falskhet av karakterer, hyklersk forkledning av den sanne essensen av sosiale relasjoner. De mangler realismens hovedkvalitet - skildringen av typiske karakterer under typiske omstendigheter. Generelt sett skiller borgerlig teater og drama fra det andre imperiet seg fra den litterære utviklingens hovedvei.

De eneste lysende fenomenene i løpet av det andre imperiets år var de strålende vaudeville-komediene til Eugene Labiche (1815 - 1888), samt arbeidet til noen skuespillere, for eksempel Edmond Gault (1822 - 1901) - den beste utøveren av roller i komediene til Moliere, Balzac og Ogier.

Fin kunst fra Frankrike på 1800-tallet

Maleri, skulptur og grafikk av Frankrike på 1800-tallet. spilt en usedvanlig viktig og fremtredende rolle i dannelsen og utviklingen av verdens kunstneriske kultur.

Alvorligheten av sosiale motsetninger og den raske endringen av politiske former i Frankrike ga opphav til en hel rekke revolusjoner også i kunstnerlivet og kunstneriske bevegelser. Ingen land i den undersøkte perioden kunne måle seg med Frankrike når det gjelder motet til ideologiske og kreative oppdrag.

Alle tre hovedstadier Fransk kunst 1789 - 1870 - klassisisme, romantikk og realisme - har indre enhet. I sine beste, mest progressive manifestasjoner, uavhengig av stilistiske former, er de fylt med revolusjonær ånd, demokratisk styrke og heroisk patos.

Fra talerstolen til Jacobin Club, og deretter den revolusjonære konvensjonen, anerkjente Frankrike lederen av klassisismen, Jacques Louis David (1748 - 1825), som en kunstner "hvis geni brakte revolusjonen nærmere." Arbeidet til David fra førrevolusjonære og revolusjonære tider legemliggjorde epokens strenge og heroiske ånd, og samtidig illusjonene om den nært forestående seieren til «fornuftens rike» og rettferdighet, født av det nasjonale oppsvinget. Davids klassisisme gjenopplivet under nye historiske forhold Poussin-tradisjonene med deres humanistiske antikkkultur og en sublim idé om menneskets plikt til fornuftens og samfunnets diktater. Men hvis Poussin var en filosof, moralist og poet i sin kunst, så fungerte David som en politisk tribune. Det mest kjente av hans førrevolusjonære malerier, «The Oath of the Horatii» (1784), høres ut som et kall til våpen, til revolusjonær og patriotisk handling, som Rouget de Lisles «La Marseillaise», som ble revolusjonens hymne. . Davids maleri "Konsul Brutus, dømte til døden sine sønner som forrådte republikken" (1789) ble oppfattet av samtidige som "stormingen av Bastillen i maleri."

Ved å velge tragiske scener fra antikkens historie for sine malerier, kledde David dem i en streng og klar form, med upåklagelig nøyaktig tegning og klare, kalde farger, med svært uttrykksfull handling som utspiller seg som på en teaterscene, med alt dette forsøk på å gi handlingene av hans helter karakteren av absolutt regelmessighet og nødvendig.

Da David så på verkene sine som et middel til å vekke revolusjonær bevissthet og aktivitet, skilte ikke David sine kunstneriske og sivile aktiviteter. Han var medlem av Jacobin Club, medlem (og en gang formann) av konvensjonen, en venn av Robespierre, som han nærmest betalte med hodet da det jakobinske diktaturet ble styrtet av det reaksjonære borgerskapet.

Årene med revolusjonen så den største blomstringen av Davids kreativitet. Etter å ha forlatt de eldgamle undersåttene, gikk han videre til å glorifisere sine samtidiges gjerninger og bedrifter - heltene og martyrene fra den store sosiale revolusjonen. I sitt beste maleri "The Murdered Marat" (1793), i fantastiske, lysende realistiske portretter som "The Greengrocer" eller "The Old Man in a Black Hat", forkastet David i hovedsak klassisistiske prinsipper og la grunnlaget for en ny realisme av 1800-tallet. og ble, sammen med spanjolen Goya og engelskmannen Constable, grunnleggeren av den mektigste utviklingslinjen for europeisk kunst på denne tiden.

I løpet av årene med katalogen, konsulatet og imperiet prøvde David å vende tilbake til klassisismens abstrakte, ideelle og sublime språk, og forsøkte å forstå Napoleons aktiviteter fra synspunktet til dens historisk progressive aspekter. Davids sene klassisisme fikk imidlertid en rasjonell karakter, livløs og steril: David trodde aldri på Napoleon, akkurat som keiseren ikke kunne stole på den gamle jakobineren.

I området Frankrikes arkitektur ved begynnelsen av XVIII-XIX århundrer. Claude Nicolas Ledoux (1736-1806) var opptatt med å søke etter en strengt klassisistisk, lakonisk og sublim stil, og studerte for dette formålet de harde bygningene fra den romerske republikkens tid og de få monumentene av gresk kunst som var kjent på den tiden. De fleste av prosjektene hans ble imidlertid ikke gjennomført. Etter at Napoleon kom til makten, ble arkitektur ikke krevd av spartansk enkelhet, men av Romerrikets pompøse storhet. I arbeidet til arkitektene som jobbet under Napoleon - Percier, Fontaine, Chalgrin, Vignon - vokste ånden av formalitet og eklektisisme tydeligere og tydeligere, som snart ble fulgt av en dyp krise i fransk og all europeisk arkitektur. En vei ut av denne nedgangen dukket opp først ved begynnelsen av det 20. århundre.

I maleriet innpodet Napoleon konsekvent den samme ånden av kald og falsk idealisering, og bestilte frodige kampmalerier som forherliget hans militære bedrifter, eller høytidelige seremonielle portretter fulle av servilt smiger. I verkene til de fleste kunstnere på denne tiden ble klassisismen til et begrensende system av akademiske dogmer. De forkynte reaksjonære ideer om sosiale relasjoners ukrenkelighet og olympisk ro midt i livets stormer, og absorberte villig elementer av reaksjonær romantikk i Chateaubriands ånd.

Den største av Davids studenter, Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), slapp ikke unna virkningen av denne dype klassisismens krise, som forgjeves forsøkte å blåse liv i utdaterte kunstneriske prinsipper og led en etter en fiasko med sine store malerier på historiske eller religiøse temaer. Men Ingres gikk inn i fransk kunsthistorie med en annen side av sin virksomhet som en førsteklasses realistisk portrettmaler, som steg opp i sine beste verk, for eksempel i «Portrait of Bertin» (1832), til et dypt generalisert og levende kritisk bilde av den åndelige og moralske karakteren til det franske borgerskapet, og som inspirert en poet av vidunderlig ekte natur, selv om det er noe løsrevet fra sin tid («Kilden» og andre malerier). Ingres var en fremragende maler og briljant tegner, og hadde stor innflytelse på den videre utviklingen av fransk kunst på 1800-tallet.

Ved slutten av det andre tiåret av 1800-tallet. i den skarpe kampen mot senklassisismen, som var blitt reaksjonær, dukket det opp en romantisk trend Frankrikes kunst .

Romantikken legemliggjorde en følelse av brutale sosiale og historiske kontraster og den dramatiske tidsånden. Kunstnere fra den romantiske skolen var gjennomsyret av en følelse av kompleksiteten og den motstridende naturen til tilværelsen, ideen om uoverensstemmelsen mellom det objektive forløpet til sosial utvikling og folks ambisjoner. Dette førte noen av dem til fatalisme, fortvilelse, tvang dem til å flykte fra moderniteten inn i den poetiske fiksjonens verden, inn i historien, til Østen og til å trekke seg tilbake til snever pessimistisk individualisme. Andre hadde et ønske om å kritisk forstå modernitetens motsetninger, å gi kunsten deres en virkelig revolusjonær kant og patos; Slike kunstnere, på grunn av utviklingens uunngåelige logikk, kom til å fylle sin stormfulle og heroiske romantiske kunst med dyp livssannhet og psykologisk kompleksitet.

Maleriet "The Raft of the Medusa", som dukket opp i 1819 av Theodore Gericault (1791-1824), som skildrer mennesker som er forliste og fortapt blant havets bølger, var et manifest for romantikk i maleriet. For Géricault eksisterte ikke lenger den klassiske inndelingen av sublimer i sublime og basale. Kunstnerens entusiasme og poetiske følelse ble nå vendt mot søken etter det heroiske og betydningsfulle i det virkelige liv. Den eksepsjonelle intensiteten av handlinger og lidenskaper nedfelt i den nye kunsten kunne ikke passe inn i klassisismens avmålte og høytidelige former. Det brøt den ideelle balansen i komposisjonen, gjorde tegningen nervøs, og fant sitt uttrykk i hurtigheten i rytmen, intensiteten i chiaroscuro-kontrastene og den rike pittoreske fargen.

De bemerkelsesverdige portrettene av psykisk syke mennesker laget av Géricault på slutten av sitt korte liv, uttrykte med spesiell bitterhet, varme og realistisk kraft smerten for en mann som var deprimert av uroen og urettferdighetene i sin tid.

Eugene Delacroix (1798-1863), på jakt etter de mest dramatiske situasjonene som ville avsløre de maksimale mulighetene for menneskelig vilje, adel og heltemot, vendte seg ikke bare til de litterære bildene til Dante, Shakespeare, Byron Walter Scott, men også til det brennende , aktuell modernitet i sine mest opprørske og frihetselskende manifestasjoner. Hans arbeid er gjennomsyret av en drøm om menneskelig frihet og en lidenskapelig protest mot undertrykkelse og vold. I maleriet «The Massacre at Chios», først utstilt i 1824, skildret han en av de tragiske episodene av det greske folkets kamp mot det tyrkiske åket. Skrevet under påvirkning av revolusjonen i 1830, avslørte maleriet hans "Liberty Leading the People" (eller "Freedom on the Barricades") den formidable skjønnheten til et folkelig opprør.

Delacroix regnes med rette som skaperen av historisk maleri i moderne tid. Han var interessert i selve essensen av den historiske prosessen, sammenstøtene mellom store folkemasser, tidsånden, unik i sin spesifikke virkelighet. Det beste av hans historiske malerier, "The Entry of the Crusaders into Constantinople" (1840), er gjennomsyret av den tragiske patosen til ubønnhørlig historisk utvikling. Delacroixs retrett til dystre, ofte åpent pessimistiske refleksjoner over menneskehetens skjebne skyldtes hans skuffelse over resultatene av revolusjonen i 1830. Han fant ingenting i Frankrike under julimonarkiet bortsett fra den kjedelige tregheten til butikkeiere, og beundret den patriarkalske styrken og skjønnheten til algerierne og marokkanerne (som han så under reisen i 1832), på jakt etter idealet om en vakker og heroisk person i det fjerne. land uberørt av europeisk sivilisasjon.

Delacroix nølte ikke med å avvise akademiske dogmer, men for ham mistet bildene av gammel kunst aldri sin attraktive kraft. "Liberty Leading the People" kombinerer egenskapene til en moderne parisisk kvinne med den klassiske skjønnheten og den mektige styrken til Nike of Samothrace.

Kombinasjonen av klar renhet og harmoni av kunstnerisk form med stor åndelig subtilitet og følelser skiller verkene Fransk maler og tegner Theodora Chasserio (1819-1856). Ånden til klassikerne, forvandlet av romantisk patos og angst, levde også i verkene til den mest betydningsfulle billedhuggeren fra den romantiske epoken - Francois Rude (1784-1855), hvis monumentale relieff "La Marseillaise", som pryder Triumfbuen på Place des Stars i Paris, er beslektet med Delacroixs "Liberty".

Den romantiske skolen beriket ikke bare ulike sjangere av maleri og skulptur - den forvandlet seg fullstendig grafisk kunst i Frankrike på 1800-tallet , forårsaker blomstring av bokillustrasjoner, litografiske portretter og akvareller. Fransk romantikk var nært forbundet med prestasjoner av avansert kunst i andre land, og den tok spesielt mye fra Goya og Constable.

Mange har opplevd konstabelens innflytelse Franske landskapsmalere fra 30- og 40-tallet av 1800-tallet - i løpet av årene med dannelsen av den nasjonale skolen for realistisk landskap. Romantikken tiltrakk seg allerede kunstnernes oppmerksomhet til problemene med nasjonal identitet, og innpode dem en dyp interesse ikke bare for folks liv og nasjonal historie, men også for deres opprinnelige natur. Landskapsmalere ved den såkalte "Barbizon-skolen" (oppkalt etter landsbyen hvor mange av dem ofte jobbet) begynte gradvis å frigjøre seg fra den første tiltrekningen til de ekstraordinære effektene av naturen, å avsløre skjønnhet i de enkleste og mest vanlige hjørnene av byen. land knyttet til folkets hverdag og arbeid.

Landskapene til lederen av "Barbizons" Theodore Rousseau (1812-1867) og spesielt den yngste i denne gruppen av kunstnere, Charles Daubigny (1817-1878), etablerte i hovedsak for første gang i fransk kunst en beundring for ekte natur, forbereder seg på en enda høyere blomstring av landskapskunsten. Camille Corot (1796-1875) spilte en svært viktig rolle i arbeidet med landskapet på midten av århundret, sammen med «barbizonerne». Hans ønske om klassisk klarhet i komposisjonen ble kombinert med en levende følelse av verdens poetiske harmoni, subtile harmonier av naturtilstanden og bevegelsene til den menneskelige sjelen. Takket være Corot ble maleri i friluft (en plein air) eiendommen til massene av franske kunstnere, og beriket kunsten med den ekstraordinære sannheten av å formidle lys-luft-miljøet og det tilsynelatende fysisk håndgripelige livspusten.

Det var først etter 1848 at både Barbizonians og Corot fikk bred anerkjennelse. Før dette fikk de ikke delta på utstillinger og ble utsatt for latterliggjøring av borgerlig kritikk: deres fredelige betraktning av naturen var for fremmed for den da rådende borgerlige vulgariteten.

Ved vendepunktet fra den romantiske epoken til realismens storhetstid på 40-70-tallet av 1800-tallet. stor kreativitet er verdt Fransk kunstner Honore Daumier (1808-1879) . Daumier tilhører de mesterne på 1800-tallet som kombinerte en nøktern, skarp kritisk analyse av virkeligheten med en virkelig romantisk patos for bekreftelsen av deres idealer, revolusjonær uforsonlighet overfor det borgerlige systemet og alle dets sosiale, moralske og ideologiske og kunstneriske grunnlag.

Utvalget av interesser og følelser til kunstneren er uvanlig stort og virkelig universelt. Daumier stiger enten ned til den borgerlige filistinismens smålige, ubetydelige verden, utsetter den for ødeleggende nederlag og offentlig latterliggjøring, og stiger deretter til de mest sublime menneskelige drømmer, til den høyeste humanisme, gjennomsyret av den største følelsesmessige spenningen. Men alltid og alltid er alle hans vurderinger av livsfenomener farget av en folkelig, demokratisk ånd og dyp tilslutning til prinsipper.

Daumier gikk inn i kunsten på begynnelsen av 30-tallet som karikaturtegner, og rettet ilden av sine satiriske ark mot det borgerlige monarkiet til Louis Philippe. Sammen med Goya kan han betraktes som skaperen av denne typen grafikk i moderne forstand av ordet. Teknikken til litografi, som nylig var blitt introdusert i kunsten, ga den bredeste distribusjonen til slike av hans arbeider som "The Legislative Womb", "Transnonen Street", "The Printer who stod opp for forsvaret av friheten til presse", "Tiltalte får ordet", "Denne kan løslates - han er mer ikke farlig" og mange andre, der Daumier åpent uttrykte sine liker og misliker, noen ganger i samme ark kombinerer bilder av positive helter med nådeløst satiriske bilder. I Daumiers litografier dukket en ny helt opp i kunsten for første gang – den revolusjonære arbeiderklassen.

Etter at regjeringen til Louis Philippe vedtok lover mot pressefriheten i 1835, måtte Daumier gå fra politisk karikatur til karikatur av det borgerlige livet. Dette reduserte ikke den politiske pressen til grafikken hans. Den omfattende kritikken han utsatte for borgerlige seder og moral, pengenes makt, filistinismens dumhet, hoffets mørke komedier og akademisk «salongkunst» kan sammenlignes med den avslørende analysen av Balzacs «Human Comedy». . Revolusjonen i 1848 gjorde Daumier igjen til den skarpeste politiske karikaturtegneren, uten å vite hverken frykt eller nøling, en uforsonlig fiende av Det andre imperiet.

Fra slutten av 40-tallet til hans siste dager jobbet Daumier mye som maler, selv om verkene hans forble nesten ukjente for hans samtidige, siden utstillingene var tett lukket for ham. Hans malerier og akvareller, fulle av dype, konsentrerte følelser, er dedikert til det tøffe livet til vanlige folk i Frankrike ("Burlak", "Suppe", "III Klassevogn"), storheten i deres livsbane ("Heavy Burden" ), renheten til deres indre verden ("Washerman"). De uttrykker både ånden av folkelig indignasjon ("Uprising", "Camille Desmoulins kaller folket til opprør"), og sjarmen til den intellektuelle subtiliteten til det franske folket og den beste delen av den franske intelligentsiaen ("The Print Lover", "I kunstnerens studio"). Maleren Daumier er preget av monumental integritet og skarphet i oppfatningen, rask uttrykkskraft og samtidig den fineste lyriske ømhet.

På 50- og 60-tallet av 1800-tallet, noen franske kunstnere Den eldre romantiske generasjonen fortsatte fortsatt å virke, men generelt ga den romantiske retningen etter revolusjonen i 1848 plass for vidt utviklet realisme. Kanskje aldri i fransk kunsts historie var kampen mellom to leire, to fundamentalt motsatte kunstneriske kulturer, så intens som i denne perioden. Kunstnere som legemliggjorde de beste egenskapene til det franske folket og deres avanserte kunst, som Millet, Courbet, Manet, Degas, Carpeaux, Renoir, ble motarbeidet av en samlet masse av utallige kunsthandlere, favoritter til Napoleon III og hele det reaksjonære borgerskapet i det andre imperiet. Ekte, store kunstnere fikk ikke være med på utstillinger, de ble forfulgt i aviser og blader; deres malerier, hvis de ble vist for publikum hvor som helst, måtte reddes fra paraplyene til sinte herrer og damer.

Jean François Millet (1814-1875) glorifiserte den franske bondestanden, dens harde arbeid og dens moralske styrke i sine episk monumentale malerier fulle av dyp livssannhet. Gustave Courbet (1819-1877) i «Steinknuseren» og «Vinnerne» viste det arbeidende folkets rolige og selvsikre verdighet, og i «Begravelse i Ornans» ga han et usminket sannferdig, nådeløst avslørende bilde av franskmennene. borgerlig filistinisme.

Det var Courbet som først brukte ordet "realisme" i forhold til maleri, og betydningen av denne realismen på 50-70-tallet av 1800-tallet var en nøye analyse og rettferdig vurdering av den faktiske tilstanden i det borgerlige Frankrike på den tiden. . Courbet, en demokratisk kunstner som senere deltok i Paris-kommunen, forkynte moderne, virkelig demokratisk kunst. Han kjempet med særlig energi mot offisiell borgerlig kunst, mot den hyklerske utsmykningen av virkeligheten. Med utgangspunkt i romantisk begeistrede bilder ("Portrait of Chopin", etc.), skapte han sine mest betydningsfulle realistiske verk på slutten av 40-tallet og begynnelsen av 50-tallet av 1800-tallet.

I "An Afternoon at Ornans" og andre malerier ga Courbet sjangerscener den monumentale betydningen som tidligere ble ansett som passende bare for historisk maleri. En viktig prestasjon av Courbet var den taktile, tungtveiende materialiteten som han var i stand til å formidle fenomenene i den virkelige verden med. Arbeidet hans manglet imidlertid den lidenskapelige aspirasjonen for fremtiden og evnen til å gjøre store generaliseringer, som utgjorde den mest verdifulle siden av den revolusjonære romantikken til Géricault, Delacroix og kunsten til Daumier.

Romantikkens trekk viste seg å være mer vedvarende i Fransk skulptur fra 1800-tallet . De gjenspeiles i Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) i hans subtile, åndelige portretter eller i skulpturelle grupper fulle av voldsom spenning og dynamikk («Dance», «Four Countries of the World») og senere i den største franske realistiske billedhuggeren Auguste Rodin (1840-1875). 1917), hvis første verk ble skapt på 60-tallet.

Hvis oppmerksomheten til Millet og Courbet hovedsakelig var fokusert på livet til den franske bondestanden og den langsomme eksistensen til provins-Frankrike, så var tvert imot tankene og følelsene til neste generasjon franske realistiske malere viet til Paris: Edouard Manet (1832-1883), som dukket opp på slutten av 1950-tallet, og kunstnerne som fulgte ham, Edgar Degas (1834-1917) og Auguste Renoir (1841 - 1919), var mest fascinert av livet til den moderne byen, dens kontraster og motsetninger, dens mørke og lyse sider.

Edouard Manet, en intelligent og subtil kunstner, en av verdenskunstens briljante kolorister og en modig observatør av moderne virkelighet, kjempet uforsonlig mot offisiell borgerlig kunst hele livet. Han studerte nøye og dypt tradisjonen med stor realistisk kunst fra fortiden: stilen hans ble dannet ved å studere Giorgione og Titian, Velazquez og Hals, Goya og Courbet. Men Manet vendte seg til erfaringene til de gamle mestrene for å snakke på et nytt språk om sin tid. Han begynte med en demonstrativ skildring av moderne mennesker og hendelser i komposisjonsformen til de store kreasjonene av gammel kunst. Slik er hans "spanske" malerier fra begynnelsen av 1860-tallet, slik er den fantastiske "Olympia" (1863), som forårsaket den største indignasjonen av borgerlige seere fordi Manet våget å presentere en enkel, helt vanlig moderne kvinne i posituren til Titians "Venus". av Urbia."

Fra midten av 60-tallet av 1800-tallet flyttet Manet fullstendig til scener av det parisiske livet i en serie frie, frimodige brudd på alle vanlige regler, men strengt gjennomtenkte malerier, med utrolig årvåkenhet som formidler de sanne egenskapene til alle slags innbyggere i Paris: med sympati skildret han mennesker fra folket eller fra kretsen progressiv intelligentsia, med ironi og hån - representanter for den borgerlige eliten. Hans verk fra 60-70-tallet av 1800-tallet, som "Frokost i Atelier", "Reading", "In the Boat", "Argenteuil", "Nana", etc., formidler frem til i dag det levende bildet av datidens Frankrike, noen ganger lurt hånende, nesten grotesk, noen ganger rørende og ømt.

Den triste bitterheten i en urolig og ensom menneskelig eksistens gjennomsyrer hans siste maleri - "Bar at the Folies Bergere", en av de sterkeste sidene i den franske kritiske realismens historie: Et vitne til Paris-kommunens dager, Manet i sine akvareller og litografier formidlet heroismen til kommunardene, og motarbeidet Versaillesernes brutalitet.

Manet er en utmerket portrettmaler som har bevart utseendet til mange bemerkelsesverdige personer i Frankrike for oss; hans lyse friluftsmaleri revolusjonerte maleteknikken: Edgar Degas, Manets venn og Ingres trofaste elev, kombinerte den upåklagelig nøyaktige observasjonen av begge med den strengeste tegning og glitrende, utsøkt vakker fargelegging: Han var en utmerket mester i portretter, men under påvirkning av Manet byttet han til hverdagssjangeren, og skildret i sine malerier alle slags scener av det parisiske livet - gatepublikummet, restauranter, hesteveddeløp, ballettdansere, vaskedamer, uhøfligheten og vulgariteten til den selvtilfreds borgerlige.

I motsetning til den lyse og generelt muntre kunsten til Manet, er Degas' verk farget av tristhet og pessimisme, og ofte av voldsom bitterhet mot den grimme borgerlige virkeligheten (som kanskje fant sitt ekstreme uttrykk i de virkelig skremmende tegningene til Maupassants "Hus" av Tellier"). Og samtidig kunne Degas være en mild og beundrende tilskuer av ekte menneskelig skjønnhet ("Toalett", "Star"), han kunne med genuin sympati skildre det vanskelige, skjemmende livet til de små folkene i Paris ("Ironers", "Dansernes hvile", "Absinthe").

Degas ble berømt for sin upåklagelig kalibrerte, men fritt asymmetriske, kantete komposisjon, sin absolutte kunnskap om vanene og gestene til ulike yrker, og sine hensynsløst presise psykologiske egenskaper.

Den siste store mesteren i den klassiske epoken Fransk realisme på 1800-tallet var Auguste Renoir. Han oppfattet moderniteten ensidig, og elsket mest av alt å male barne- og ungdomsbilder og fredelige scener av det parisiske livet - oftest livet til vanlige mennesker ("Paraplyer", "Moulin de la Galette"). Med fengslende dyktighet formidlet han alt det beste som fantes i den daværende franske virkeligheten uten å legge merke til dens skyggesider. Renoirs beste malerier ble skapt av ham i begynnelsen av hans lange liv – på 60-70-tallet av 1800-tallet. Deretter førte hans tilnærming til impresjonistene ham inn i sfæren av rent kontemplative og deretter dekorative eksperimenter, noe som i stor grad reduserte kunstnerens senere kreativitet.

Musikk fra Frankrike på 1800-tallet

Den franske borgerlige revolusjonen satte komponister i oppgave å skape nye sjangre av musikkkunst designet for de bredeste kretsene av lyttere. Sangene og marsjer fra den franske revolusjonen, fremført under festligheter, høytidelige prosesjoner, begravelsesseremonier osv., ble preget av enkelheten og lysstyrken i melodien, klarheten i rytmen, og de instrumentelle verkene ble preget av kraften og fargeriket av orkestreringen.

Den strålende «La Marseillaise», skapt av amatørkomponisten Rouget de Lisle, er det beste eksemplet musikk fra den franske revolusjonen . I orkestermarsjene og sangene til Gossec og Mégul, i operaene til Cherubini og Lesueur, kommer den strenge og heroiske ånden til revolusjonær kunst til uttrykk.

Det viktigste stedet i Fransk musikk fra begynnelsen og midten av 1800-tallet. opera, operette og ballett opptar. Rossinis opera William Tell, satt opp i Paris i 1829, bidro til utviklingen av fransk heroisk-romantisk opera, hvis handlinger ofte gjenspeilte store historiske begivenheter - folkelige opprør, religionskriger, etc.

Den mest fremtredende representanten Fransk musikalsk kultur på 1800-tallet. er Giacomo Meyerbeer (1791 - 1864), som hadde et bemerkelsesverdig talent som musiker-dramatiker, noe som sikret operaene hans en dundrende suksess. Hans beste opera, "Huguenotene" (1836), tiltrakk seg lyttere med dramatikken i situasjonene og de lyse effektene av musikken.

I det andre imperiets tid ga heroisk-romantisk opera plass for lyrisk opera og operette. Komponister av lyrisk opera ble mest tiltrukket av de psykologiske opplevelsene til helter, og spesielt heltinner. I Charles Gounods opera «Faust» (1859) var således bildet av den kjærlige og forlatte Margarita i forgrunnen. Ambroise Thomas, forfatteren av "Mignons", arbeidet også i sjangeren lyrisk opera, og senere Bizet og Massenet. Bizets berømte opera "Carmen", som ikke var vellykket i sin første produksjon, reflekterte mest penetrasjonen av levende menneskelige følelser i operamusikk - følelser som forvandler den lyse romantikken til handlingen til et ekte psykologisk drama.

Den største og mest progressive representanten Fransk musikk fra midten av 1800-tallet. Hector Berlioz (1803 - 1869) var skaperen av programsymfoni i Frankrike.

Programmene til Berliozs symfonier ble noen ganger lånt fra litterære verk (Harold i Italia - basert på Byrons dikt, Romeo og Julie av Shakespeare), noen ganger laget av komponisten selv. Berlioz' mest betydningsfulle verk, Symphony Fantastique (1830), legemliggjør bildet av en romantisk helt med sine stormende lidenskaper, glødende håp og bitre skuffelser. I individuelle deler av symfonien utfolder Berlioz et bredt utvalg av musikalske og billedlige scener, fra den idylliske «scenen i markene» til den mørke groteske «Prosession to Execution».

Orkesteret, som komponisten beriket med nye fargerike kombinasjoner, får spesiell uttrykksfullhet i Berlioz sine verk. Noen av Berliozs verk var et svar på de revolusjonerende hendelsene i 1830 ("Mourning and Triumphal Symphony" og "Requiem"). Berlioz skrev også operaverk og den dramatiske legenden "The Damnation of Faust", som i sjanger er nær oratorium.

Skaperen Fransk operette var Jacques Offenbach (1819 - 1880). Verkene hans latterliggjorde det moderne samfunnets skikk og parodierte på vittig måte typiske situasjoner og teknikker fra den "store" romantiske operaen. Lettheten, ynden, melodiske og spesielt rytmiske rikdommen i Offenbachs operetter - "Den vakre Helen", "Orfeus i helvete", "Hertuginnen av Gerolstein" - gjorde ham til et idol for den parisiske offentligheten.

På midten av 1800-tallet. et nytt stadium i historien begynner Fransk ballett . Romantiske plott og på samme tid musikk som ikke bare akkompagnerer dansene, men også avslører karakterenes psykologiske opplevelser - dette er de karakteristiske trekkene til ballettene "Giselle" av Adolphe Charles Adam (1803-1856), "Sylvia ” av Leo Delibes (1836-1891).

Frankrike, et land kjent over hele verden for sin kulturelle arv og rike nasjonale tradisjoner, fortsetter å være en trendsetter og et knutepunkt for gourmeter og folk med raffinert smak. Hva ga kulturen i Frankrike til verden, og takket være hvem venter den moderne generasjonen med tilbakeholdt pust på å reise hit?

Når vi snakker om aktivitetsområder hvor franskmennene har oppnådd kolossal suksess, kan man ikke unngå å nevne arkitektur, kunst, litteratur, kino og musikk. Frankrikes historie er tett sammenvevd med historien til andre stater som hadde direkte eller indirekte innflytelse på utviklingen av hendelser i dette landet. Men til tross for oppfatningen av tradisjonene til naboene, er Frankrike kjent for sin spesielle stil og livsstil.

Frankrikes kunstneriske kultur: arkitektur, maleri, litteratur, musikk, kino

En av de mest slående stilene i fransk arkitektur var empirestilen, et fenomen som oppsto på slutten av 1700-tallet, på tampen av den store revolusjonen. Empire-stilen uttrykte den franske hyllesten til den eldgamle perioden av historien, tett sammenvevd med motivene til politisk kamp og revolusjonære ideer. Grunnleggeren av stilen var maleren Jacques Louis David, som i sine kreasjoner forsøkte å uttrykke sin kjærlighet til menneskeheten, frihet, likhet og brorskap.

Napoleonske Empire-stil

Kulturen i Frankrike på 1800-tallet, da den ambisiøse og selvsikre keiser Napoleon Bonaparte sto i spissen for staten, gjenspeiler spesielt tydelig ønsket om å vise landets storhet.

Den såkalte Napoleonske imperiets stil var ment å vekke innbyggerne stolthet over deres hjemland og fremkalle en følelse av storhet for imperiet som utvider sine grenser. Imidlertid har dette ønsket ført til det faktum at bygninger laget i denne stilen snarere er en hard og kald legemliggjøring av arkitektenes opprinnelige planer, med fokus på monumentalitet og storhet, snarere enn på de myke klassiske formene som ligger til grunn for empirestilen. .

De mest monumentale og betydningsfulle monumentene fra den perioden var Maria Magdalena-kirken og triumfbuen – en kopi av den gamle buen til Septimius Severus (romersk keiser). Arbeidet med buen ble utført under ledelse av arkitektene Francois Fonguin og Charles Persier. Det arkitektoniske landemerket ble installert overfor Tuileries-palasset på Place Carrousel og var et symbol på keiserens militære seire.

Det særegne ved den franske kulturen i den perioden av historien lå nettopp i behovet for å opphøye statens hersker, og styrke hans interne innflytelse for vellykket internasjonal politikk.

Ingeniørstil

Andre halvdel av 1800-tallet var preget av endringen fra empirestilen til den såkalte ingeniørstilen, hvis grunnlegger var arkitekten Georges Eugene Haussmann. Han tok initiativet til å gjenutvikle hovedstaden i Frankrike, som et resultat av at Paris fikk et moderne utseende.

I samme periode ble en av hovedattraksjonene i byen, Eiffeltårnet, reist.

20. århundre og moderne

På 1900-tallet var fransk kultur innen arkitektur preget av spredningen av mote for en annen stil - jugendstil, som reflekterte den moderne visjonen om legemliggjørelsen av arkitektenes ideer. Representanter for jugendstil var arkitektene Hector Guimary (som ble berømt etter byggingen av bygården Béranger Castle) og Le Corbusier (som hovedsakelig var involvert i å designe villaer i denne stilen).

Maleri fra 1800- og 1900-tallet

1860-årene ble en landemerke i utviklingen av fransk kunst. I løpet av denne perioden ble et kvalitativt gjennombrudd gjort av representanter for en ny stil i maleriet - impresjonistene. De første "svalene" var Claude Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Edouard Manet og Auguste Renoir, som fikk universell anerkjennelse.

I tillegg til impresjonisme oppsto andre bevegelser som etter hvert spredte seg til europeiske naboland eller omvendt kom derfra til Frankrike – nyimpresjonisme eller pointillisme (representert av Georges-Pierre Seurat og Paul Signac), postimpresjonisme (preget av verket). av artister som Paul Gauguin, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec), Fauvism (ledet av Andre Derain og Henri Matisse), Cubism (representert av Georges Braque og Marcel Duchamp).

Spesielt bemerkelsesverdig er postimpresjonismen, som delvis overtok impresjonismens kunstneriske prinsipper, samtidig som den fortsatte å søke etter sin egen spesielle stil og utviklingsmåter i nye former. For kunstnere av denne trenden kommer fenomener i den empiriske verden i forgrunnen - former for virkelighet, ønsket om å vise et helhetlig bilde av verden, og ikke et øyeblikkelig inntrykk.

Fremveksten av fauvisme, en kunstnerisk bevegelse preget av dynamikk, uttrykksfullhet av farger, lyse farger, skarpe strøk og renhet, gjorde et uutslettelig inntrykk på samtiden. Representanter for denne stilen fikk kallenavnet "vill", ettersom verkene deres var assosiert med press og villskap fra dyr.

1800-tallslitteratur

Spesiell oppmerksomhet bør rettes mot fransk litteratur fra 1800-tallet. I denne perioden ble symbolikken med dens understatement, mystikk, hint og symboler utbredt. Fremtredende representanter for bevegelsen var Paul Verlaine, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud og Stéphane Mallarmé.

Midten av 1800-tallet er kanskje den mest begivenhetsrike perioden i fransk litteraturhistorie, da så fremragende prosaforfattere som Alexandre Dumas, Victor Hugo, Jules Verne, Honore de Balzac, Stendhal, Gustave Flaubert, Prosper Merimee, Guy de Maupassant.

De klassiske verkene "The Three Musketeers", "Notre-Dame de Paris", "Twenty Thousand Leagues Under the Sea", "Père Goriot", "Red and Black", "Madame Bovary", "Carmen", "Dear Friend" fortsatt leder an i dag lister over de mest leste og elskede verkene i verdenslitteraturen.

Et landemerke fra 1900-tallet i fransk litteratur

Det 20. århundre ble et landemerke for fransk litteraturhistorie: fjorten forfattere ble tildelt Nobelprisen for sine arbeider på det litterære feltet. Blant dem er Romain Rolland, Albert Camus, Jean-Paul Sartre. Ingen andre land har sett en slik suksess.

I tillegg ble Prix Goncourt etablert i Frankrike i 1903, som regnes som den mest prestisjefylte på dette feltet for franske forfattere. Blant de fremragende forfatterne fra det 20. århundre som hadde æren av å bli tildelt denne prisen, er det verdt å fremheve Alphonse de Chateaubriand, Marcel Proust, Jean-Jacques Gautier.

Kulturen i Frankrike på 1900-tallet er et utmerket eksempel på hvordan innovasjon og en ukonvensjonell tilnærming gjør det mulig å gjøre et stort sprang i den åndelige utviklingen til folket og revurdere moralske verdier og grunnlag, og analysere dem, spesielt gjennom litteratursynets prisme.

Musikkkunst fra 1800- og 1900-tallet

Akkurat som i litteraturen blomstret musikkkunsten i Frankrike på 1800-tallet.

Berømmelse og ære kom til så fremragende musikere som Hector Berlioz, Jacques Offenbach, Georges Bizet.

En ny sjanger utvikler seg også raskt - storslått fransk opera, hvis handlinger hovedsakelig gjenspeiler Frankrikes historie. Operaen ble akkompagnert av overdådig iscenesettelse og store korscener, som ble brukt med stor effekt. Et fargerikt eksempel på den nye sjangeren var arbeidet til grunnleggeren, Daniel Ober, "The Mute from Porichi".

I andre kvartal av 1800-tallet ble storslått fransk opera den ledende sjangeren på teaterscenen. Verkene til komponisten Jacques François Fromental Elie Halévy «Jøden», Giacomo Meyerbeers operaer «Profeten» og «Huguenotene» ble klassikere.

Den siste tredjedelen av 1800-tallet avslørte hovedtrendene innen musikk. Masseformer for konsert- og teaterliv, symfoni- og kammerkonserter, ble stadig mer utbredt. The National Society, opprettet i 1871, spilte en betydelig rolle i å revitalisere musikklivet i denne perioden. Målet var å promotere verkene til franske komponister. I løpet av 30 år ble det holdt mer enn 300 konserter på initiativ fra foreningen.

Fra klassisk til moderne

Den nasjonale kulturen i Frankrike på 1900-tallet ble dannet under påvirkning av globale trender. Dermed ble fransk chanson spesielt populær, og glorifiserte de uovertrufne Edith Piaf, Charles Aznavour, Georges Brassin og Serge Gainsbourg.

Popmusikk, representert ved Joe Dassin, Dalida, Mireille Mathieu og Patricia Kaas, blir også stadig mer populær.

Generelt sett kan fransk musikalsk kultur skryte av en forpliktelse til den klassiske sjangeren. Dette er bevist av en rekke konsertlokaler, haller og teatre, som arrangerer klassiske musikkfestivaler og ulike konserter både på 1800- og 1900-tallet og i dag.

fransk kino

Hva annet, foruten arkitektur, maleri, litteratur og musikk, er Frankrike stolt av? Kulturen og tradisjonene i dette landet er så rike at det ville ta lang tid å liste opp franskmennenes prestasjoner. Et av de viktigste bidragene anses å være opprettelsen i 1895 av et apparat for å filme og projisere bilder på et lerret av Lumière-brødrene. Denne begivenheten var et vendepunkt i utviklingen av både fransk og verdens kino.

40- og 50-tallet av det 20. århundre introduserte verden for de beste filmatiseringene av franske klassikere - "The Red and the Black", "The Parma Monastery". Strålende skuespillere - Jean Marais, Gerard Philip, Louis de Funes - fikk verdensomspennende berømmelse.

De neste to tiårene av det 20. århundre var ikke mindre betydningsfulle, og avslørte for verden fantastiske mestere av deres håndverk - Jean-Paul Belmondo, Jean Moreau, Catherine Deneuve, Gerard Depardieu, Annie Girardot, Alain Delon og Pierre Richard.

Landets regjering støtter aktivt utviklingen av kino. Dermed ble den nasjonale filmprisen "Cesar" opprettet i 1976. Den verdensberømte filmfestivalen i Cannes arrangeres også årlig i Frankrike.

Kulturen i Frankrike har gitt et betydelig bidrag til utviklingen av verdenskulturen, gitt liv til mange retninger og trender innen ulike kunnskapsfelt og etterlatt et rikt arsenal for videre utvikling som en arv til moderne generasjoner.

FRANKRIKE
Moderne tradisjoner og kultur i Frankrike bør være gjenstand for nærmere studier av enhver turist som planlegger å besøke dette landet. Hvis du ikke vil med jevne mellomrom komme i problemer med ulike aspekter, så les nøye gjennom dette materialet. Vi vil prøve å fortelle deg hvordan tradisjonene i Frankrike respekteres av innbyggerne i dette landet og hvorfor turister ikke bør krenke dem.

Til å begynne med bør du forstå at franskmennene er en ganske særegen nasjon som ikke er veldig lojale mot britene og ikke tolererer amerikanere i det hele tatt. Derfor er ikke engelsk tale i dette landet comme il faut i det hele tatt. Hvis du ikke har nok tid til å lære fransk, ikke prøv å vise frem kunnskapene dine i engelsk. Bedre å snakke russisk. Men husk at franskmennene anser russere for å være uoppdragne og ikke aristokratiske. Men du vil bli behandlet bedre enn en amerikaner.

Det andre viktige poenget med franske tradisjoner er ikke obligatorisk eller punktlighet. Dette gjelder også for forretningsforbindelser, arbeidet til offisielle institusjoner og sosiale arrangementer. Det er vanlig å komme for sent til lunsj og middagsselskaper i samsvar med din sosiale status. Jo mer edel og viktig du er, jo senere får du lov til å komme på festen. I denne forbindelse bør det bemerkes at franskmenn vanligvis ikke inviterer forretningspartnere til lunsjer og middager. En slik invitasjon er snarere et unntak fra regelen og et tegn på stor respekt for din person

Vanlige skikker og tradisjoner i Frankrike

Frankrike er et land med lang historie og kulturarv. Forbindelsene med Romerriket er godt synlige her. De mange dialektene og gruppene gir nasjonal preg til hverdagen i landet. Her respekterer de sin historie. Uansett hvor merkelig det kan virke, er enhver franskmann stolt av Napoleon Bonaparte og den store franske revolusjonen. Og mot denne bakgrunnen viser Frankrike fullt ut historisk respekt for sine kongelige dynastier. Det er ingen slik tradisjon for å fornekte sin egen historie som man kan se i Russland. Derfor, prøv ikke å diskutere historiske datoer og deres negative innvirkning på den nåværende situasjonen i landet med dine franske venner.

Moderne tradisjoner og kultur i Frankrike

Moderne tradisjoner og kultur i Frankrike er uløselig knyttet til flere hundre år gammel historisk arv. Dette landet er en sekulær stat. Forrangen til enhver religiøs konsesjon anerkjennes ikke her. Samtidig bor det grupper av etniske arabere i Frankrike som observerer muslimske tradisjoner.

Dette setter et visst preg på oppførselen til turister og lokale innbyggere i disse områdene. Kvinner anbefales ikke å bruke provoserende seksuelle klær når de besøker arabiske nabolag. Hvis det er mulig, prøv å ikke fokusere oppmerksomheten på arabernes skikker og relatert religiøs praksis.

Hvilke nasjonale tradisjoner i Frankrike bør du kjenne til?

Hvis du planlegger å besøke dette landet, bør du kjenne til følgende nasjonale tradisjoner i Frankrike:

• ikke be om å besøke franskmennene, de liker det ikke;
• på t-banen eller annen form for offentlig transport, ikke spør folk foran om de vil gå av ved neste stopp;
• bare press deg frem til avkjørselen og si unnskyld til alle underveis;
• ikke besøk Frankrike for forretningsformål fra 1. juli til 30. august, på dette tidspunktet er landet rolig for forretninger, alle drar på ferie;
• hvis du er invitert til lunsj, så kom klokken 20, lunsj i dette landet er på dette tidspunktet;
• be alltid om unnskyldning hvis noen dytter deg på gaten - det er tradisjon her for begge parter å be om unnskyldning.

I juleferien holder Frankrike tradisjonelt ferie fra 20. desember til 14. januar. Etter ethvert måltid serveres her tradisjonelt harde oster som dessert. Under ingen omstendigheter bør du drikke denne nasjonale delikatessen med te, kaffe eller juice. Bare rødvin kan drikkes. Hvis du ikke vil drikke alkohol, er det bedre å unngå dessert med ost.

Vakre bryllupstradisjoner i Frankrike

Utlendinger er interessert i de vakre og rørende bryllupstradisjonene i Frankrike. Vanligvis går alt her omtrent som i et russisk bryllup. Brudgommen kjøper bruden, det arrangeres ulike konkurranser, utdrikningslag. Men det fine er at franskmennene elsker å ha bryllupsfeiringer om kvelden eller til og med om natten. Samtidig møter ordførerens kontor alltid de nygifte halvveis og gir dem muligheten til å gifte seg når som helst som passer dem.

I forskjellige regioner i Frankrike blir bryllupstradisjoner supplert med lokale skikker. Dette er alltid en fargerik og spennende ferie, som tradisjonelt i Europa ender med at de nygifte sender avgårde på bryllupsreise. Vel, gjester kan henge i et bryllup i flere dager eller til og med uker.

Kunsthistorien i Frankrike dekker en enorm historisk periode, fra antikken til i dag.

Frankrike er et fantastisk land, preget av mystikk og raffinement, glans og raffinement, opphøydhet og en spesiell trang til alt vakkert. Og historien om dannelsen av sin unike, som har blitt en standard, en så mangfoldig og unik kunst er ikke mindre fantastisk enn staten selv.

Forutsetninger for dannelsen av det frankiske riket

For å forstå særegenhetene ved fremveksten og utviklingen av fransk kunst, er det nødvendig å ta en ekskursjon inn i historien til den gamle perioden, da territoriet til den moderne franske staten var en del av det store romerske riket. På 400-tallet begynte aktive bevegelser av barbariske stammer fra bredden av Rhinen til imperiets grenser. Deres angrep og periodiske invasjoner av romerske land, som ble ødelagt, undergravde den latinske staten i stor grad. Og i 395 ble selve Romerriket delt mellom sønnene til den nåværende keiseren i to deler: Theodosius testamenterte den rikeste østlige delen av sine territorier til sin eldste sønn Arcadius, og overførte den vestlige delen til sin yngste sønn, Honorius. Delingen av Det store romerske riket i deler svekket den allerede skjøre romerske staten og gjorde den mer sårbar for ytre fiender.

Det moderne Frankrikes territorium var en del av den vestlige delen av det tidligere store romerriket. I 410 ble Roma utdelt et kraftig slag av de vestgotiske troppene, ledet av Allaric. Den siste romerske keiseren av en svak stat gjemte seg i Ravenna og forlot det evige Roma. Det var der han ble innhentet av hæren til Odoacer, en av de ledende militære lederne av den vestgotiske stammen. Det er med denne begivenheten, som fant sted i 476, at Romerrikets endelige fall er forbundet. Som et resultat av den store migrasjonen begynte barbariske stater å dukke opp over de erobrede landene. På 500-tallet oppsto en frankisk stat i en del av Gallia.

Den frankiske staten og utviklingen av fransk kunst

Frankerne er en gruppe stammer som siden antikken har bosatt seg langs bredden av Rhinen i dens nedre del og utenfor kysten av Østersjøen. Grunnleggeren av det første frankiske riket i Europa var den unge frankiske lederen Clovis Merovingian, som beseiret hæren til den romerske guvernøren i Gallia i slaget ved Soissons og grep territoriene under hans kontroll. I de nye territoriene bosatte han sine medarbeidere - frankerne, ga dem landtomter, gjennomførte en rekke regjeringsreformer både innen offentlig administrasjon og i den rettslige-lovgivende sfæren, og innførte et unikt dokument - "Salic Truth", satt sammen på grunnlag av stammeordrene til stammen Salic Franks. I tillegg ga Clovis spesiell oppmerksomhet til valg av tro. Adopsjonen av kristendommen styrket ikke bare den nye staten, men påvirket også dannelsen av frankisk kunst.

Etter at merovingerdynastiet ble lat i administrasjonen, ble livet i kongeriket stadig vanskeligere. Adelen tok kongelig land. Permissivitet blomstret i ledelsen av adelen og bøndene. Utarmingen av befolkningen økte. På 800-tallet var det også en ekstern trussel fra nomadiske arabiske stammer. En av lederne til den siste merovingerkongen, Charles Martell, tok makten i egne hender. Han gjennomførte en rekke reformer som bidro til å styrke staten og beseire araberne. Og sønnen Pippin den korte ble valgt på adelens råd som ny konge av frankerne. Dette valget ble bekreftet av paven. Og den første frankiske keiseren var sønn av Pippin den korte, Charles, som fikk kallenavnet "Den store" i historien. Det var til Karl det frankiske riket skyldte et spesielt stadium i blomstringen av kultur og kunst, som kalles den karolingiske renessansen.

Kunsten til de "urgamle" frankerne

Hvis du forstår særegenhetene ved fødselen og dannelsen av den frankiske staten, blir skjebnen til kulturarven som var lokalisert i de frankiske territoriene fra eldgamle tider tydelig. Det var hovedsakelig utviklingen av den eldgamle sivilisasjonen: broer, bolig- og tempelarkitektur, skulptur og litteratur, teater og dekorativ kunst. Kristne kirkemenn anså det imidlertid ikke som nødvendig å ta vare på disse kulturelle rikdommene, men brukte den delen av dem som kunne tilpasses utøvelsen av religiøs tilbedelse og til den vanlige persons liv. Dermed ble gudstjenester i kristne kirker holdt på latin, og kirkebøker ble skrevet på samme språk.

Det var nødvendig å bruke antikkens arkitektoniske funn for å begynne byggingen av templer og klostre; bruken av kunnskap om astronomi hjalp til med å beregne datoene for kirkekalenderen, som i middelalderen erklærte livet til hele riket. Frankerne tilpasset også utdanningssystemet til det sene romerriket til deres behov. Det er bemerkelsesverdig at komplekset av pedagogiske fag som ble studert i frankiske skoler ble kalt. Hvilke kunster snakket vi om? Det såkalte triviet omfattet vitenskapen om ord: grammatikk, retorikk og dialektikk. Quadrivium inkluderte tallvitenskapene: aritmetikk, geometri, musikk som beregning av musikalske intervaller og astronomi.

Den dekorative og brukskunsten var dominert av tradisjonene for barbarisk kreativitet, som var preget av bruken som hovedmotiver av plante- og dyrepynt og bilder av monstre eller skapninger som ikke fantes i virkeligheten og ofte hadde et ganske skremmende utseende. Denne typen kunst kalles terratologisk eller monstrøs.

Kunst og kultur fra den karolingiske renessansen

Perioden av Karl den Stores regjeringstid er preget av en enestående økning i kultur. En av grunnene til dette er selve personligheten til keiseren – en velutdannet og høyt kultivert person. Han snakket og leste latin flytende, forsto gresk og var interessert i teologi og filosofi. En av de unike arkitektoniske strukturene i denne perioden var palasskirken i Aachen, fantastisk i sin kunstneriske design.

Kunsten å lage håndskrevne bøker utviklet seg også: de ble skrevet med nesten kalligrafisk håndskrift og dekorert med vakre miniatyrer. Blant bøkene var både teologiske verk og annaler – en år for år oversikt over hendelser som fant sted i Frankerriket.

Skoler med fokus på grunnskole- og eliteutdanning ble åpnet i imperiet. Skaperen av den første var Karls kamerat Alcuin. Og eliteskolen, åpnet i Aachen, forente vitenskapsmenn, keiserens familie og hele hoffet til Karl den Store. På skolen, kalt «Hofakademiet», ble det holdt filosofiske samtaler, bibelen og antikkens kultur ble studert, det ble spurt om gåter og diktet. Og et av akademimedlemmene skrev den første sekulære biografien, «The Life of Charlemagne».

Det var under den karolingiske renessansen at grunnlaget ble lagt for bevaring og gjenoppliving av tradisjonene i antikkens kultur og grunnlaget for den videre utviklingen av den frankiske kulturen.

Dannelse av Frankrike som stat

Under styret til Karl den Stores etterkommere ble imperiet han opprettet stadig mer svekket. Da riket ble delt mellom sønnene til Karl, gikk den vestlige delen til den eldste sønnen Lothair. Og hans etterkommere fortsatte å svekke den fragmenterte tilstanden. Imperiet har falt. De siste av karolinerne mistet til slutt innflytelse og ble avsatt. Adelen overførte styreretten til den da mektige greven av Paris, Hugo Capet. Det var den østlige delen av det tidligere Frankerriket som begynte å bli kalt Frankrike. Takket være capetianernes styre ble den nye staten ikke bare gjenopplivet, men fikk også nye muligheter for sin utvikling, inkludert kulturell.

Folkekunst fra middelalderens Frankrike

En rekke endringer skjedde også i middelalderens teater og musikk sammenlignet med antikken. Den kristne kirke anså skuespillere for å være medskyldige av djevelen og forfulgte de kunstneriske brødrene på alle mulige måter. Som et resultat sluttet teater som massefenomen å eksistere, bygningene til teatre og stadioner falt gradvis i en ruintilstand, og skuespillere begynte å danne omreisende tropper og spilte for folket ved korsveier, messer og torg. Mobile grupper av universelle aktører - historier var et mindre praktisk objekt for forfølgelse av kirken og myndighetene, som var underordnet den og samtidig forfulgte sine egne mål på grunn av det særegne ved kreativitetsretningen til histrioner og trubadurer - vandrende musikere. En spesiell gruppe var sammensatt av vaganter - tidligere studenter eller munker som mestret versifisering og det grunnleggende innen musikalsk kunst, som vandret alene langs veiene og i sine verk enten sang om kjødelig kjærlighet, eller fordømte den forfalne kirken og den råtne staten.

Tre utviklingsområder for middelalderkunst

9/10 av befolkningen i middelalderens Frankrike var bønder. Derfor kan hovedkulturen i staten defineres som bonde. Middelalderbonden brukte mesteparten av dagen på å jobbe på føydalherrens land. Men dette betyr ikke at han ikke hadde behov og tid til å kommunisere med kultur og kunst. Dette var hovedsakelig sanger og danser, konkurranser i styrke og fingerferdighet. En spesiell plass i kommunikasjon med kunst ble okkupert ved å se histrion-forestillinger. Muntlig folkekunst utviklet seg også. Folkets visdom gjenspeiles i folklore: eventyr, sanger, ordtak og ordtak. Hovedtemaet til historiefortellerne var skam av en dum rik mann av en fattig, men snill fattig mann, som som regel kom fra en bondefamilie. Fortellingene var svært sosiale: de avslørte samfunnets laster i forholdet mellom adelen og bøndene, og snakket også om bøndenes vanskelige situasjon. Legender og ballader ble også skapt, forherligende bedriftene til nasjonale helter som kjemper for ære og verdighet til en vanlig person og mot føydalt tyranni.

Den andre siden av middelalderens kultur og kunst var livet til byer, veksten og blomstringen av disse ble observert fra 900-tallet. Fremveksten av en slik klasse som den borgerlige ble begynnelsen på utviklingen av den borgerlige kulturen. Ferdighetene til håndverkere ble raskt forbedret. Prinsippene for arbeidet deres og kvaliteten på produktene som er laget har endret seg, mange av dem har nå høy verdi som mesterverk innen dekorativ og brukskunst. Det var fra denne tiden ordet "mesterverk" kom i bruk. Hver håndverker som ble med i laugsbrorskapet måtte demonstrere sine ferdigheter og lage det perfekte produktet. Dette var et mesterverk. Etter hvert ble det dannet et system med samhandling og konkurranse mellom verksteder, som i utgangspunktet ble en motivator i utviklingen av håndverk. Men over tid begynte verkstedene å forstyrre utviklingen av håndverk, siden konkurrenter ikke ønsket at de mest talentfulle håndverkerne skulle omgå dem, og noen ganger ikke ønsket at hemmeligheten bak prosessen med å lage et produkt eller materialet for det skulle falle. i hendene på konkurrenter. Ofte ødela medlemmer av laugsbrorskapet til og med oppfinnelser, og noen ganger forfulgte de deres skapere.

Den tredje siden av middelalderens kultur og kunst var eksistensen av en egen verden av aristokrati - føydale herrer. Som regel bar alle føydale herrer militærtjeneste til kongen, som hans personlige vasaller. Mindre føydale herrer var vasaller av sine herskere - baroner, grever osv. Ved å utføre militærtjeneste, representerte de et slikt fenomen i middelaldersamfunnet som ridderskap. Ridderkulturen var også preget av sin spesielle kunst. Dette inkluderer kunsten å lage riddervåpen - tredimensjonale identifikasjonsmerker av en ridderfamilie eller en individuell ridder. De laget våpenskjold av dyre materialer - gull og sølv, emalje og mår- eller ekornpels. Hvert våpenskjold var en viktig historisk kilde og et svært verdifullt kunstverk.

I tillegg ble gutter - fremtidige riddere - lært slike kunster som sang og dans, og å spille musikkinstrumenter. De ble undervist i gode manerer fra barndommen, kunne mye poesi, og mange av ridderne skrev selv dikt, dedikerte dem til den vakre damen. Og selvfølgelig er det nødvendig å huske de unike monumentene fra middelalderarkitekturen - ridderlige slott bygget i romansk stil, samt fantastiske kirker bygget i alle byene i Frankrike, først i romansk og senere i gotisk stil. De mest kjente templene er Notre Dame-katedralen i Paris og kroningsstedet til franske monarker.

Art of France: Renessanse

Renessansen, assosiert med en ny runde med interesse for gammel kulturarv og kunst, oppsto i det solfylte Italia på 1300-tallet. I Frankrike ble renessansens trender reflektert i kultur og kunst først på slutten av 1400-tallet. Men denne perioden varte lenger i Frankrike enn i Italia: ikke før på 1500-tallet, men til 1600-tallet. Fremveksten innen kultur og kunst i den franske staten var assosiert med fullføringen av foreningen av landet under Louis XI.

Avgrensningen fra gotiske tradisjoner i Frankrikes kunst skjedde i forbindelse med kongenes hyppige reiser til Italia, hvor de ble kjent med den fantastiske italienske kunsten fra renessansen. Men i motsetning til Italia, var kunsten fra denne perioden i Frankrike mer høvisk enn populær.

Når det gjelder nasjonaliteten til fransk kunst, var dens lyse representant i litteraturen en fantastisk poet som skapte fantasifulle, vittige og muntre poetiske verk.

Hvis vi snakker om kunsten i denne perioden, bør det bemerkes at realistiske tendenser ble nedfelt i teologiske miniatyrer og sekulær litteratur. Den aller første kunstneren i denne perioden i utviklingen av fransk kunst var Jean Fouquet, som etterlot sine etterkommere en enorm arv i form av portretter av aristokrater og kongefamilien, bokminiatyrer, landskap, diptyker som skildrer Madonnaen.

Hun inviterte også italienske mestere fra renessansen til Frankrike: Rosso og Primaticcio, som ble grunnleggerne av Fontainebleau-skolen – en retning i den franske malerkunsten som oppsto i Fontainebleau-godset. Denne bevegelsen var basert på prinsippene om mannerisme, som de opprinnelige grunnleggerne av skolen var representanter for, og var preget av bruken av mytologiske plott og intrikate allegorier. Kilder er bevart som navngir andre navn på mesterne som deltok i utformingen av Fontainebleau-slottet: italienerne Pellegrino og Juste de Juste, franskmennene Simon Leroy, Claude Badouin, Charles Dorigny, Flemingen Leonard Tireus og andre.

På 1500-tallet utviklet sjangeren portretter, maleri og blyant aktivt i Frankrike. Spesielt interessant er verkene til Jean Clouet, som malte portretter av nesten hele det franske hoffet.

Skulptur fra denne perioden i Frankrike er assosiert med navnet til Michel Colombe, som dyktig utførte blant annet relieffbilder og filosofiske tolkninger av gravsteiner. Interessante er også verkene til Jean Goujon, gjennomsyret av en spesiell musikalitet og poesi av bilder og fremføringsmåte.

Motvekten til Goujons harmoniske og ideelle i sin skjønnhet og ynde var arbeidet til en annen skulptør fra denne perioden - Germain Pilon. De er i deres uttrykk og hypertrofi av formidlet følelser og opplevelser beslektet med verkene til ekspresjonistene på 1800-tallet. Alle karakterene hans er dypt realistiske, til og med naturalistiske, dramatiske og dystre.

Art of France: 1600-tallet

1500-tallet var en epoke med kriger og ødeleggelser for den franske staten. I første kvartal av 1600-tallet styrket makten i Frankrike. Prosessen med sentralisering av makt begynte spesielt raskt under Ludvig XIII, da kardinal Richelieu styrte alt i landet. Folket stønnet under aristokratiets åk og det daglige arbeidets vanskeligheter. Det absolutistiske monarkiet bidro imidlertid ikke bare til styrking og økning i Frankrikes makt, men også til at landet i løpet av denne perioden ble en av de ledende europeiske statene. Dette påvirket utvilsomt utviklingen og hovedtrendene innen kultur og kunst i landet.

Kunsten fra 1600-tallets Frankrike kan grovt defineres som formell hoffkunst, som kom til uttrykk i en pompøs og dekorativ barokkstil.

I motsetning til barokkens pomp og overdrevne dekorativitet, dukket det opp to retninger i fransk kunst: realisme og klassisisme. Den første av dem var en appell til refleksjon av det virkelige liv som det var, uten pynt. Innenfor rammen av denne retningen utvikler hverdagssjangeren og portrett, bibelske og mytologiske sjangere seg.

Klassisismen i Frankrikes kunst gjenspeiler først og fremst temaet borgerplikt, samfunnets seier over individet og fornuftens idealer. De er posisjonert som en kontrast til ufullkommenhetene i det virkelige liv, et ideal som man må strebe etter, til og med ofre personlige interesser. Alt dette er hovedsakelig knyttet til fransk kunst. Grunnlaget for klassisismens kunst var tradisjonene i antikkens kunst. Og dette gjenspeiles mest i klassisistisk arkitektur. I tillegg var det arkitekturen som var mest avhengig av statens praktiske interesser og var fullstendig underordnet absolutismen.

Perioden på 1600-tallet i den franske staten er preget av byggingen av et stort antall bydannende arkitektoniske ensembler og palassbygninger. I denne perioden var det sekulær arkitektur som kom i forgrunnen.

Hvis vi snakker om refleksjonen av de ovennevnte trendene innen kunst, bør vi nevne arbeidet til Nicolas Poussin - en fantastisk representant for epoken, hvis maleri legemliggjorde både generaliteten til verdensbildet og den ukuelige livsenergien til eldgammel kunst.

Art of France: 1700-tallet

Den nye fremveksten av kultur var assosiert med folkeprinsippets enorme innflytelse på kreativiteten, som først og fremst kom tydelig til uttrykk i musikken. Komedie begynte å spille en stor rolle i teatret, og messens masketeater og operakunsten utviklet seg aktivt. Skapere vendte seg mindre og mindre til religiøse temaer, og sekulær kunst utviklet seg mer og mer aktivt. Fransk kultur i denne perioden var veldig mangfoldig og full av kontraster. Realismens kunst vendte seg mot å avsløre verden til mennesker av forskjellige klasser: til deres følelser og opplevelser, hverdagssiden av livet og psykologisk analyse.

Fransk kunst fra 1800-tallet

La oss gå videre. La oss snakke kort om kunsten til Frankrike på 1800-tallet. Statens liv på denne tiden er preget av en ny runde med økende misnøye fra folket og uttrykte revolusjonære følelser etter gjenopprettingen av det franske monarkiet. Temaet kamp og heltemot har blitt et av de ledende innen kunst. Det ble også reflektert i nye retninger for maleriet - historicisme og romantikk. Men det er en kamp mot akademiskismen i denne periodens billedkunst.

Studiet av fargefaktoren i maleriet fører til aktiv utvikling av landskapssjangeren og til revisjon av alle systemer for fransk maleri.

Dekorativ og brukskunst fikk spesiell utvikling i denne perioden, da de mest reflekterte folks ambisjoner. Det populære trykket blir veldig populært, og lar den enkleste teknikken avsløre samfunnets laster og problemer ved å bruke satiriske bilder.

Faktisk blir etsning en dokumentarisk historisk kilde til tiden. Fra etsningene kan du studere Frankrikes historie på 1800-tallet.

Kunsten til Frankrike, som vi ser, er veldig mangefasettert og mangfoldig og er nært knyttet til særegenhetene ved utviklingen av den franske staten. Hver epoke er en enorm blokk som krever spesiell avsløring, som ikke kan gjøres innenfor rammen av én artikkel.

I løpet av middelalderen ble befolkningen i Frankrike delt inn i regioner der separate nasjonaliteter bodde: Picards, Gascons og andre. Folket ble også delt inn på det språklige nivået - i de som snakket Lang d'oil-språkene og Lang d'ok-språkene.

Til tross for at begge språk stammer fra romersk Gallia, foretrakk folket fortsatt isolasjon.

De nordlige regionene i Frankrike var bebodd av gallere, romere og tyskere. Sentrum og Vesten tilhørte gallerne og romerne. Romerne var mest vanlige i sør, men det levde også gallere og grekere.

Først etter at Frankrike ble sentralisert begynte hele befolkningen å bli kalt fransk.

Blandingen av stammer påvirket baskerne, de tyske alsaterne, jødene, Lorraine og flamingene mest. Italienerne, spanjolene og polakkene kom også under påvirkning av det forente Frankrike.

Folk som bor i Frankrike

Frankrike er et ganske homogent land, nesten alle innbyggerne er franske. Men fortsatt, siden historisk tid, har den vært delt inn i rasegrupper - Middelhavet, sentraleuropeisk og nordeuropeisk.

Representanter for den første gruppen er korte, tynne, har mørkt hår og brune øyne.

Den sentraleuropeiske gruppen er representert av en kort befolkning med en ganske sterk kroppsbygning og lysebrunt hår.

Og den nordeuropeiske befolkningen utmerker seg ved sin høye vekst, store bygning og lyse hår, hud og øyne.

Det offisielle språket er fransk, og bare noen få etniske grupper snakker andre språk og dialekter.

Slike minoriteter er: Bretonere, Alsace, Flemings, Korsikanere, Baskere, Katalanere.

Disse folkene snakker morsmålene sine - Alsace på Alsace, Bretons på Breton, Korsikanere på Korsikansk og så videre.

Slike grupper prøver å bevare alt som deres forfedre ga videre til dem, så de lærer språket og tradisjonene til sine etterkommere. Men dette betyr ikke at disse menneskene ikke kan fransk. De bruker det når de studerer, på jobb og i det sosiale livet.

Blant representantene for fremmede land i Frankrike kan du møte portugiserne, spanjolene, italienerne, marokkanerne og tuniserne.

Kultur og liv for folkene i Frankrike

Franske hus leies oftest. For å kjøpe din egen eiendom, må du tjene godt og lenge. Det er ikke så mange private hus i Frankrike; oftest bor folk i leiligheter. Størrelsen og tilstanden til boligen avhenger av eierens økonomiske tilstand. Men alle leilighetene har en funksjon - et veldig lite kjøkken.

Familie er viktig for franskmennene, som det er for de fleste nasjonaliteter. Men de har sin egen særegne oppdragelse - de oppdrar ikke et talentfullt individ, men et ideelt medlem av samfunnet. Et barn må forstå fra barndommen av hva loven og allment aksepterte normer er. I Frankrike er det slik kjærlighet til barn uttrykkes.

Dette gjelder også utdanning. Hver forelder anser det som nødvendig å gi barnet en anstendig utdanning, noe som vil hjelpe ham med å oppnå suksess i fremtiden og ha en slags sosial status. Derfor begynner barns utdanning i barnehagen.

Franskmennene tilbringer mesteparten av livet på jobb. Men dette gir dem ikke mye trøbbel, for Frankrike har en ganske fleksibel arbeidsplan med en 2-timers lunsjpause.

Folk tilbringer kvelder med familien eller alene. Og bare i helgene tillater franskmennene seg å komme seg ut av huset og slappe av med venner.

Tradisjoner og skikker hos folkene i Frankrike

Hvis vi snakker om franskmennenes tradisjoner, skikker og vaner, er det verdt å merke seg at de kategorisk ikke aksepterer det engelske språket. De er ikke akseptert i en slik grad at selv å kunne dette språket, vil en franskmann late som om han ikke forstår sin samtalepartner.

I Frankrike er det vanlig å be om unnskyldning uansett grunn, selv om en person rett og slett ved et uhell berørte hånden til en annen. Men ingen gir fra seg plass på kollektivtransport. Dette er rett og slett ikke akseptert, akkurat som å spørre: "Går du neste gang?"

Frankrike er et land uten kleskode. Folk kan bruke jeans og genser på en restaurant eller på teater.

Tradisjonelle franske høytider er: nyttår, jul, påske, arbeidernes dag, seiersdagen, Bastilledagen, Allehelgensdag og andre.

Det er også en høytid som ikke er spesielt viktig, men som likevel feires av hele hjertet av franskmennene – 1. april. Før innføringen av den gregorianske kalenderen ble det nye året feiret i slutten av mars. Men med innføringen av kalenderen ble ferien flyttet til 1. januar. Og siden nyhetene i disse dager spredte seg veldig sakte, feiret noen mennesker nyttår fra 25. mars til 1. april i flere år. Slik ble aprilsnarren til.